Bonne année 2020, nouveautés et une explosion / Happy New Year 2020, something new and an explosion

C'est un hiver très doux et très pluvieux, j'ai fait une cuissons de dégourdi depuis la mi-novembre et j'ai hébergé quelques pots d'une jeune potière. Pour la cuisson émail qui a suivi, j'ai fait preuve d'une certaine légèreté. Habituellement, je lance, la veille, un séchage à 150° de deux heures, les pots ont le temps de bien sécher toute la nuit, ainsi que la petite motte de terre dans laquelle je plante les cônes, et j'ai tout simplement omis de le faire !!! Et ce petit morceau de terre a explosé dans tous les pots aux alentours, les seuls qui ont été épargnés étaient tout en bas du four sous une plaque.

It is a very mild and rainy winter, since the middle of November and I have housed a few pots of a young potter in my kiln for a bisque firing. For the glaze firing that followed, I showed a certain lightness. Usually, I launch, the day before, a drying firing at 150 ° for two hours, the pots have time to dry well overnight, as well as the small clod of clay in which I plant the cones, and I simply omitted to do !!! And this little piece of clay exploded in all the pots around, the only ones that were spared were at the bottom of the kiln.

J'ai une petite idée pour essayer de réparer les dégâts, nous verrons celà. Et bien, je devrais m'y remettre sous peu, mais c'est sans compter sur les petits enfants qui prennent un peu de place maintenant et je me fais une joie de les garder de temps en temps.

I have an idea to try to repair the damage, we will see that. Well, I should get back to it soon, but that's without counting on the little grand-daughter who is taking up a little space now and I am happy to take care of them from time to time.

Dans le four, il y avait une petite série de tasses en porcelaine tournées et pincées jusqu'à la transparence, l'émail que j'utilise les mets particulièrement en valeur. Pour les autres pièces en porcelaine, j'ai fait quelques décorations aux engobes, y compris pour les perles. Deux tasses faites à la main ont été recuites et placées tout en bas du four, elles ont bénéficié d'un effet de réduction et sont devenues bleutées, même émail que sur la porcelaine, mais plus épais. J'avais envie d'essayer depuis longtemps l'ajout de verre et c'est aussi une réussite.

In the kiln, there was a small serie of porcelain cups turned and pinched until transparent, the glaze I use especially highlights them. For the other porcelain pieces, I made some decorations with blue slips, for the pearls too. Two handmade cups were fire again and placed at the very bottom of the kiln, they benefited from a reduction effect and became bluish, the same glaze as on porcelain, but thicker. I have wanted to try adding pieces of glass for a long time and it is also a success.

Sortis du four 02/2018 / From the kiln 2018/02

Je vais devoir refaire des images un peu meilleures de ces dernières pièces, mon appareil photo est en panne, j'en utilise un autre et surtout la lumière n'est pas celle qu'il faut. Enfin, voici un premier jet.

Cette fois-ci, j'ai travaillé sur un millefeuille de terres différentes, porcelaine et terre noire et j'aime bien le résultat.

I will have to redo a little better pictures of these last pieces, my camera is down, I use another and especially the light is not the right one. Finally, here is a first draft.

This time, I worked on a millefeuille of different clays, porcelain and black clay and I like the result.

Voici quelques petites pièces, avec la porcelaine, il y a la transparence.

Here are some small pieces, with porcelain, there is transparency.

Appliques en porcelaine :

Porcelain sconces:

Et une en grès engobé de porcelaine, émaillé bleu turquoise :

Exposition Picasso céramiste et la Méditerranée / Exhibition Picasso ceramist and the Mediterranean

Un petit billet pour vous annoncer l'ouverture prochaine au Musée de Sèvres d'une exposition de céramiques de Picasso, du 20 novembre 2013 au 19 mai 2014.

Voici un lien : http://www.sevresciteceramique.fr/site.php?type=P&id=612

Et le communiqué de presse : ici

A little post to announce the upcoming event at the "Musée de Sèvres", an exhibition of Picasso's ceramics from 20 November 2013 to 19 May 2014.

Here is a link: http://www.sevresciteceramique.fr/site.php?type=P&id=612

And the press release: here

Les fours de Sawankhalok à Ban Pa Yang / Sawankhalok kilns, Ban Pa Yang kiln site

Le site des fours de "Ban Pa Yang" est situé le long de la rivère Yom, à cinq kilomètres au nord de l'ancienne ville de Si Satchanalai, actuellement inscrite au patrimoine mondial de l'UNESCO. Ce groupe de fours a une forme en "goutte d'eau". Le four dit four Thuriang, comprenait trois parties, l'alandier devant, la chambre où sont placés les poteries et la cheminée au bout du four. La température de cuisson pouvait atteindre 1250° à 1300° celsius pour produire des poteries de grès, haute température.

La période florissante des grès de Sawankhalok, ou Sangkhalok a duré 200 à 250 ans ans, entre le 14éme et le 16 ème siècle.
Ces poteries étaient populaires, non seulement en Thaïlande, mais aussi dans l'Asie du sud est et au Japon.
Beaucoup de pièces ont été retrouvées dans des navires naufragés dans le golfe de Thaïlande, mais aussi sur des sites archéologiques dans d'autres pays, comme l'Indonésie, les Philippines et le Japon.

The kilns of "Ban Pa Yang" are located along the Yom River, five kilometers north of the ancient city of Si Satchanalai currently listed as World Heritage by UNESCO. This group of kilns are crossdraft and have a water-dropped shape. The Thuriang kiln had three parts, the firebox,  the chamber pottery and the chimney at the rear of the kiln. The firing temperature can reach 1250 ° to 1300 ° Celsius to produce stoneware pottery.

The flourishing period of Sawankhalok or Sangkhalok ware lasted 200 to 250 years years, between the 14th and 16th century.
These pots were popular not only in Thailand but also in Southeast Asia and Japan.
Many pieces have been found in shipwrecks in the Gulf of Thailand, but also on archaeological sites in other countries, such as Indonesia, the Philippines and Japan.

The perspective is distorted

 Malgré la distorsion de la perspective l'on peut voir la façon dont la forme est construite entre la chambre et la cheminée, probablement pour améliorer le tirage.

Despite the distortion of perspective we can see how the shape is built between the chamber and the chimney, probably to improve the draw.

Blue glaze in the chimney

Sur tous les fours, à l'extérieur, l'alandier est enterré et n'est plus visible, mais on peut voir le mur qui sépare l'alandier de la chambre plus en hauteur, à l'intérieur du four et l'on peut voir également l'émail bleu qui recouvre les parois de la cheminée.

On all the kilns, outside, the firebox is buried and is no longer visible, but you can see the wall that separates the firebox from the chamber higher up in the kiln and you can also see the blue glaze that covers the walls of the chimney.

Close up to the blue glaze

 A l'intérieur de certains fours, la cheminée est construite avec des quilles d'enfournement.

Inside some kilns, the chimney is built of loading keels.

Ban Ko Noi kiln

 Le site de Ban Ko Noi fera l'objet d'un autre article.
 Vous pouvez aussi voir les lien suivant : http://armelleleon.blogspot.fr/2013/02/sawankhalok-si-satchalanai-chaliang.html

I will speak about Ban Ko Noi site another post.
You can also see the following link: http://armelleleon.blogspot.fr/2013/02/sawankhalok-si-satchalanai-chaliang.html

Gwyn Hanssen Pigott

Gwyn Hanssen Pigott at the opening of her solo exhibition at Erskine, Hall & Coe in London in June 2013. Photograph: Michael Harvey/courtesy of Erskine, Hall & Coe

"The way the pots transform in light is something special to me because this reflects what we are as human beings, ordinary but with the possibility of joy."

Gwyn Hanssen Pigott, potter, born 1 January 1935; died 5 July 2013

...Gwyn Hanssen Pigott, who has died aged 78, was Australia's most distinguished potter. Because she had learned much of her craft in England, training with some of its best-known figures, and had set up her first studio in London, she achieved honorary status as an important British artist as well. The association with Britain has been rekindled in a memorable series of exhibitions in the UK over the past 20 years, and it was while visiting London for the latest of these that she suffered a stroke..

To read more : The Gardian

 I do not know when I saw the link to this Parade  by Gwyn Hanssen Picott arranging the pots of Freer & Sackler's collection, it is a great pleasure to watch online so beautiful pieces installed tastefully by the Australian potter who has just died, this is an example and an important influence for me. there are pots of Persia, China, Japan and Korea.

Here is the link: http://www.asia.si.edu/exhibitions/online/Parades/launch.htm

Click on "the ceramics" to see the Parade, on each piece to enlarge on "about the artist" for the portrait of Gwyn Hanssen.

 «La façon dont les pots transforment la lumière est quelque chose de spécial pour moi parce que cela reflète ce que nous sommes en tant qu'êtres humains, ordinaires, mais avec la possibilité de la joie."

Gwyn Hanssen Pigott, potière, née le 1er Janvier 1935, décédée le 5 Juillet 2013

...Gwyn Hanssen Pigott, qui est morte âgée de 78 ans, était la potière la plus distinguée d'Australie. Parce qu'elle avait fait son apprentissage en Angleterre, formée par certaines de ses figures les plus connues, et avait ouvert son premier studio à Londres, elle a obtenu le statut honorifique d'une des meilleures artistes britanniques . L'association avec la Grande-Bretagne a été ravivée dans une série mémorable d'expositions au Royaume-Uni au cours des 20 dernières années, et elle était alors en visite à Londres pour la dernière d'entre elles lorsqu'elle a subi un accident vasculaire cérébral ...

Pour en savoir plus : The Gardian

Je ne sais plus quand j'ai vu le lien de cette Parade de Gwyn Hanssen Picott arrangeant les pots de la collection Freer & Sackler, c'est un grand plaisir de pouvoir voir en ligne de si belles pièces installées avec goût, par cette potière australienne qui vient de décéder, c'est un exemple et une influence importante pour moi. Il y a là des pièces de Perse, Chine, Japon, Corée.

Voici le lien http://www.asia.si.edu/exhibitions/online/Parades/launch.htm
Cliquez sur "the ceramics" pour voir la Parade, sur chaque pièce pour l'agrandir, sur "about the artist" pour avoir le portrait de Gwyn Hanssen.

Les pots des élèves sont à leur disposition

L'atelier est fermé cet été, mais les étudiants qui veulent récupérer leurs pots peuvent me joindre au : 0637773982

Vlaminck, un fauve, un céramiste / Vlaminck, a beast, a ceramist

Parmi les artistes avant-garde du modernisme, Maurice de Vlaminck, André Derain et Henri Matisse se démarquent par leur usage de la couleur, ce qui leur vaut le nom de leur mouvement : Le fauvisme.

En 1906 le marchand d'art Ambroise Vollard demande à un céramiste de mettre ses fours à la disposition de ses jeunes artistes : Bonnard, Odilon Redon, Renoir, Matisse, Maurice Denis... et Vlaminck.

Contrairement à Picasso, Vlaminck ne fréquentait pas les musées, prenant son inspiration dans le primitivisme. Malgré l'enthousiasme de Vollard, les faïences produites par ses amis artistes ne rencontrent pas un succès commercial, trop novateur, trop tôt.

Vlaminck cependant continue, il apprend à tourner et fait un usage des émaux à l'image de ses peintures débordantes de couleurs. Une exposition est organisée à L'Annonciade, Musée de Saint Tropez, du 6 juillet au 14 octobre 2013 : Vlaminck : les années décisives, 1900 - 1914.

Pour en savoir plus : http://www.amis-annonciade.fr/DPVlaminck.pdf
les céramiques sont page 9

Et puis : http://fr.wikipedia.org/wiki/Maurice_de_Vlaminck

Et aussi, l'article du dernier numéro de la revue de la céramique et du verre

Among the artists of the avant-garde of modernism, Maurice de Vlaminck, André Derain and Henri Matisse were distinguished by their use of color, which earned them the name of their movement : Fauvism.

In 1906 the art dealer Ambroise Vollard asked to a potter to provide his kilns to his young artists: Bonnard, Odilon Redon, Renoir, Matisse, Maurice Denis ... and Vlaminck.

 Unlike Picasso, Vlaminck did not go to museums, taking its inspiration from the primitivism. Despite the enthusiasm of Vollard, earthenware produced by his artist friends do not meet commercial success, too innovative, too soon.

 Vlaminck however continues, he learns to throw on the wheel and makes use of enamels in the image of its overflowing color paintings. An exhibition is organized at the Annunciade, Museum of Saint Tropez, from July 6 to October 14, 2013: Vlaminck: the crucial years, 1900-1914.

For more information: http://www.amis-annonciade.fr/DPVlaminck.pdf
ceramics are on page 9

And then: http://en.wikipedia.org/wiki/Maurice_de_Vlaminck

Also, the article last issue of la revue de la céramique et du verre

Picasso et la céramique / Picasso and ceramic

 "Je ne cherche pas, je trouve" Picasso, conversation avec Marius de Zayas 1923

Ces images sont prises sur le blog d'Alain Truong (en anglais) : http://www.alaintruong.com/archives/2013/01/12/26124866.html

These images are taken from Alain Truong's blog, in english : http://www.alaintruong.com/archives/2013/01/12/26124866.html

En voici un extrait en français :

...."Picasso a stupéfié le monde de l'art quand, en 1947, un des artistes les plus célèbres de l'Ouest, approchant des 65 ans, il s'est enfui du Paris de l'après-guerre pour entreprendre un apprentissage à la peu connue (à l'époque), poterie Madoura à Vallauris, dans les régions rurales Sud de la France.

Les œuvres ludiques qu'il a créé dans la région, pendant plus de deux décennies, d'animaux et d'humains sculptés dans l'argile, représentent une période critique de la fin de carrière de Picasso quand il a cherché à immortaliser davantage sa place dans l'histoire de l'art. La poterie, une des plus anciennes de toutes les formes d'art, avait été produite à Vallauris depuis l'époque romaine, par la maîtrise de ce métier traditionnel, il cherchait à rejoindre la longue histoire des artisans qui ont travaillé dans la région depuis des millénaires.

Les années que Picasso a passé dans la région sont perçues pour avoir été parmi les plus heureuses de sa vie. A Madoura, il a rencontré sa future épouse et muse célèbre Jacqueline Roque, qui devait rester son partenaire pendant plus de 20 ans, jusqu'à sa mort en 1973. Au cours de sa première année à la poterie, Picasso et Françoise Gilot son amante ont eu un fils, Claude, qui partageait son nom avec le saint patron des potiers"...

..."Picasso stunned the art world when, in 1947, as one of the most famous western artists, and approaching 65 years of age, he absconded from post-war Paris to undertake an apprenticeship at the then little-known Madoura pottery in Vallauris, in rural Southern France. The playful works he created in the region over two decades, of animals and people sculpted in clay, represent a critical period in Picasso’s late career when he sought to further immortalise his place in the history of art. Pottery, one of the oldest of all art forms, had been produced in Vallauris since Roman times; by mastering this traditional craft he sought to join the long history of artisans who had worked in the area for millennia.

The years Picasso spent in the region are understood to have been among the happiest of his life. At Madoura, he met his future wife and famed muse Jacqueline Roque, who was to remain his partner for over 20 years until his death in 1973. During his first year at the pottery, Picasso and his lover Françoise Gilot welcomed a son, Claude, who shared his name with the Patron Saint of Potters"...

"Je ne cherche pas, je trouve" Picasso, conversation avec Marius de Zayas 1923

Cette citation bien connue fait partie d'une conversation de Picasso avec Marius de Zayas, au cours de mes études d'arts plastiques, l'ont m'avait en effet dit que Picasso n'avait pas écrit sur son art, mais il a parlé, voici un article que j'ai trouvé sur le blog de FetishGhost, (merci à lui), cliquez sur le lien "STATEMENT TO MARIUS DE ZAYAS," 1923

Article en anglais

J'ai bien cherché une traduction en français, mais je n'ai pas trouvé alors voici "ma traduction" j'espère qu'elle n'est pas trop mauvaise. L'important est de voir dans quel contexte Picasso prononce ses paroles et quel est le sens de ce qu'il dit.

Je dois dire que si j'avais eu vent de ces propos un peu plus tôt, cela m'aurait évité quelques cogitations.

La voici :

"I do not research, I find" Picasso, conversation with Marius de Zayas 1923

 This well-known quote is part of a conversation Picasso had with Marius de Zayas, during my studies in visual arts, my teachers have indeed said that Picasso did not write about his art, but he discussed here is an article I found on the FetishGhost's blog  (thank you so much), click on the link "STATEMENT TO MARIUS DE ZAYAS," 1923

Post in English

I have searched for a translation into French, but I have not found, so here "my translation" I hope it is not too bad. The important thing is to see the context in which Picasso told ​​ and what is the meaning of what he says.

I must say I've heard about these earlier, it would have saved me a few musings.

Here it is:

Art Humanities Primary Source Reading 49

Pablo Picasso

"STATEMENT TO MARIUS DE ZAYAS," 1923

Je peux difficilement comprendre l'importance donnée au mot recherche dans le cadre de la peinture moderne. Mon opinion est que chercher ne signifie rien en peinture. Trouver est la chose. Personne n'est intéressé à suivre un homme qui, les yeux fixés sur le sol, passe sa vie à chercher le trésor que la fortune devrait mettre sur son chemin. Celui qui trouve quelque chose, peu importe ce que cela peut être, même si son intention n'était pas de chercher, au moins éveille notre curiosité, sinon notre admiration.

Parmi les nombreux péchés dont j'ai été accusé, rien n'est plus faux que, le principal objectif de mon travail, est l'esprit de recherche. Quand je peins, mon but est de montrer ce que j'ai trouvé et pas ce que je recherche. En art, les intentions ne sont pas suffisantes et, comme on dit en espagnol, l'amour doit être prouvé par des actes et non par des raisons. Ce que l'on fait est ce qui compte et non pas ce que l'on avait l'intention de faire.

Nous savons tous que l'art n'est pas la vérité. L'art est un mensonge qui nous fait réaliser la vérité, du moins la vérité qui nous est donnée à comprendre. L'artiste doit savoir comment convaincre les autres de la véracité de ses mensonges. Si il montre dans son travail qu'il a cherché, et re-cherché, le moyen de montrer le mensonge, il n'arrivera jamais à accomplir quoi que ce soit.

L'idée de la recherche a souvent fait que la peinture s'égare, et que l'artiste se perd dans des élucubrations mentales. Ce qui a peut-être été le principal défaut de l'art moderne. L'esprit de recherche a empoisonné ceux qui n'ont pas bien compris tous les éléments positifs et concluants dans l'art moderne et leur a fait tenter de peindre l'invisible et, par conséquent, « l'impeignable ».

Ils parlent de naturalisme par opposition à la peinture moderne. Je voudrais savoir si quelqu'un a déjà vu une œuvre d'art naturelle. Nature et art, étant deux choses différentes, ne peuvent pas être la même chose. A travers l'art, nous exprimons notre conception de ce que la nature n'est pas.

Velazquez nous a laissé son idée des gens de son époque. Sans doute étaient-ils différents de la façon dont il les a peint, mais nous ne pouvons pas concevoir un Philippe IV d'une autre façon que celle Velazquez. Rubens aussi a fait un portrait du même roi et dans le portrait de Rubens, il semble tout à fait une autre personne. Nous croyons en celle peinte par Velazquez, car il nous convainc par son droit du plus fort.

Depuis les peintres des origines, les primitifs, dont le travail est évidemment différent de la nature, jusqu'à ces artistes qui, comme David, Ingres et même Bouguereau, croyaient peindre la nature telle qu'elle est, l'art a toujours été l'art et non la nature. Et du point de vue de l'art, il n'y a pas de formes concrètes ou abstraites, mais des formes seulement qui sont des mensonges plus ou moins convaincants. Que ces mensonges soient nécessaires pour notre mental ne fait aucun doute, car c'est grâce à eux que nous formons notre point de vue esthétique de la vie.

Le cubisme n'est pas différent de toutes les autres écoles de peinture. Les mêmes principes et les mêmes éléments sont communs à tous. Le fait que depuis longtemps le cubisme n'a pas été compris et que même aujourd'hui il y a des gens qui ne peuvent y voir quelque chose, ne veut rien dire. Je ne lis pas l'anglais, un livre en anglais est un livre blanc pour moi. Cela ne signifie pas que la langue anglaise n'existe pas, et pourquoi devrais-je blâmer quelqu'un d'autre que moi-même, si je ne peux comprendre ce dont je ne sais rien ?

J'entends aussi souvent le mot évolution. À plusieurs reprises, on me demande d'expliquer comment une peinture évolue. Pour moi, il n'y a ni passé ni avenir en art. Si une œuvre d'art ne peut vivre toujours dans le présent, elle ne doit pas être prise en compte.

L'art des Grecs, des Égyptiens, des grands peintres qui ont vécus en d'autres temps, n'est pas un art du passé; c'est peut-être plus vivant aujourd'hui que cela n'a jamais été. L'art n'évolue pas par lui-même, les idées des gens changent et avec eux leur mode d'expression. Quand j'entends les gens parler de l'évolution d'un artiste, il me semble qu'ils l'envisagent debout entre deux miroirs qui se font face et font se reproduire son image un nombre infini de fois, et qu'ils envisagent les images successives d'un miroir comme son passé, et les images de l'autre miroir comme son avenir, alors que son image réelle est considérée comme son présent. Ils ne considèrent pas que se sont toutes les mêmes images dans des plans différents.

Variation ne signifie pas évolution. Si un artiste varie son mode d'expression cela signifie seulement qu'il a changé sa manière de penser et en changeant, cela peut être pour le meilleur ou pour le pire.

Les différentes manières que j'ai utilisées dans mon art ne doivent pas être considérées comme une évolution, ou comme des étapes vers un idéal inconnu de la peinture. Tout ce que j'ai jamais fait a été fait pour le présent et dans l'espoir que cela restera toujours dans le présent. Quand j'ai trouvé quelque chose à exprimer, je l'ai fait sans penser au passé ou à l'avenir. Je ne crois pas avoir utilisé radicalement des éléments différents dans les différentes manières que j'ai utilisées dans la peinture. Si les sujets que j'ai voulu exprimer ont suggéré différents moyens d'expression, je n'ai jamais hésité à les adopter. Je n'ai jamais fait des essais ou des expériences. Chaque fois que j'avais quelque chose à dire, je l'ai dit de la manière dont j'ai senti qu'elle devait être dite. Différents motifs nécessitent inévitablement différentes méthodes d'expression. Cela n'implique pas non plus l'évolution ou le progrès, mais une adaptation de l'idée que l'on veut exprimer et les moyens d'exprimer cette idée.

Les arts de transition n'existent pas. Dans l'histoire chronologique de l'art il y a des périodes qui sont plus positives, plus complètes que d'autres. Cela signifie qu'il y a des périodes où il y a de meilleurs artistes que dans d'autres. Si l'histoire de l'art pouvait être représentée graphiquement, comme dans un tableau utilisé par une infirmière pour marquer les changements de température de son patient, les mêmes silhouettes de montagnes seraient représentées, ce qui prouve que dans l'art n'existe pas de progrès ascendant, mais qu'il suit certains hauts et des bas qui pourraient survenir à tout moment. La même chose se produit avec le travail d'un artiste individuel.

Beaucoup pensent que le cubisme est un art de transition, une expérience qui consiste à apporter des résultats ultérieurs. Ceux qui pensent de cette façon ne l'ont pas compris. Le cubisme n'est pas non plus un grain ou d'un fœtus, mais un art traitant principalement avec des formes, et quand une forme est réalisée, elle est là pour vivre sa propre vie. Une substance minérale, présentant une formation géométrique, n'est pas faite pour des fins transitoires, elle est ce qu'elle est et aura toujours sa propre forme. Mais si nous voulons appliquer la loi de l'évolution et de la transformation à l'art, alors nous devons admettre que tout art est éphémère. Au contraire, l'art n'entre pas dans ces absolutismes philosophiques. Si le cubisme est un art de transition, je suis sûr que la seule chose qui va en sortir est une autre forme de cubisme.

Les mathématiques, la trigonométrie, la chimie, la psychanalyse, la musique et que sais-je, ont été liées au cubisme pour lui donner une interprétation plus facile. Tout cela a été de la pure littérature, pour ne pas dire absurde, et a seulement réussi à aveugler les gens avec des théories.

Le cubisme s'est maintenu dans ses propres limites et les limites de la peinture, il n'a jamais fait semblant d'aller au-delà. Le dessin, la forme et la couleur sont comprises et pratiquées dans le cubisme dans l'esprit et la manière dont ils sont compris et pratiqués dans toutes les autres écoles. Nos sujets peuvent être différents, comme nous avons introduit dans la peinture des objets et des formes qui étaient auparavant ignorées. Nous avons gardé nos yeux ouverts à notre environnement et aussi notre cerveau.

Nous donnons aux formes et aux couleurs toute leur signification individuelle, autant que nous pouvons les voir; dans nos sujets, nous gardons la joie de la découverte, le plaisir de l'inattendu; notre sujet lui-même doit être une source d'intérêt. Mais à quoi sert de dire ce que nous faisons quand tout le monde peut le voir si il le veut ?

«Picasso Speaks » The Arts, New York, mai 1923, pp 315-26; reproduit dans Alfred Barr: Picasso, New York 1946 pp 270-1.

Plus de pots de la dernière cuisson / More pots from the last firing

CHALEUR

Tout luit, tout bleuit, tout bruit, Le jour est brûlant comme un fruit Que le soleil fendille et cuit. Chaque petite feuille est chaude Et miroite dans l'air où rôde Comme un parfum de reine-claude. Du soleil comme de l'eau pleut Sur tout le pays jaune et bleu Qui grésille et oscille un peu. Un infini plaisir de vivre S'élance de la forêt ivre, Des blés roses comme du cuivre. Anna de Noailles