Arte y materiales

la mirada del espectador como origen del significado

Cuando hablamos de arte en la pintura, solemos pensar en el talento del pintor, en su técnica, en los materiales utilizados y en la maestría con la que plasma formas, colores y emociones. Sin embargo, el verdadero valor de una obra de arte no reside únicamente en quien la crea, sino también —y, para algunos, sobre todo— en quien la contempla. Es en la mirada del espectador donde una pintura termina de construirse como arte.

Desde las pinturas rupestres hasta las vanguardias del siglo XXI, el acto de pintar ha sido una forma de expresión humana. Pero esa expresión, por sí sola, no garantiza que la obra sea percibida como arte. Un lienzo puede estar cargado de técnica y simbolismo, y aun así pasar desapercibido si nadie lo mira o si el público no le concede relevancia. Es en el momento de la contemplación donde la pintura adquiere vida, significado y emoción; donde se produce un diálogo silencioso entre autor y público.

El espectador aporta su experiencia, su sensibilidad y su contexto cultural a la interpretación de la obra. Una misma pintura puede conmover profundamente a una persona y dejar indiferente a otra. Ese abanico de reacciones demuestra que el valor artístico no es algo fijo ni universal, sino que se renueva con cada mirada. La obra deja de ser únicamente “del pintor” para convertirse en un espejo donde se reflejan las emociones y pensamientos del público.

Esto no significa restar mérito al creador. El pintor sigue siendo el iniciador del proceso, quien propone un lenguaje visual y plantea un universo simbólico. Sin embargo, sin el público, la obra se convierte en un acto privado; con él, se transforma en un fenómeno cultural. Es el espectador quien le otorga vigencia, difusión y, en última instancia, el estatus de arte.

En este sentido, el valor de llamarse “arte” es una construcción compartida. Nace del impulso creador del pintor, pero se consuma en la percepción del espectador. La pintura, como cualquier forma artística, no vive solo en el lienzo, sino en la mirada de quienes la observan y la interpretan. Ahí radica su riqueza: en ser un puente que une dos subjetividades —la del artista y la del público— para dar lugar a algo que trasciende a ambos.

Imagen tomada de la web

Es el movimiento artístico surgido el siglo pasado, durante las décadas sesenta y setenta, en Estados Unidos, en la ciudad de Nueva York, y en Londres, Inglaterra.

Su desarrollo está vinculado a la comunicación de masas, el consumismo, drogas, retoma el valor de la vida cotidiana, trata de ser inclusivo, claro y sencillo en su elaboración y temas, renueva aspectos populares, convirtiéndolos en arte, para que sean accesibles a la mayoría, les interesa el mundo de la publicidad y las ventas. Son obras de carácter humorístico e irónico. Influenciados por el mundo de los comics, las películas, la música pop. Utilizan todo tipo de materiales y pinturas, incluyen el collage y la fotografía. Es parte de la cultura de masas, en un contexto capitalista e industrializado.

Surge como contracorriente del Expresionismo Abstracto, que estaba identificado con la parte elitista.

A través de los tiempos y en las diferentes etapas de la pintura, se han utilizado pigmentos para dicha actividad, tenemos los ocres y óxidos de hierro que fueron utilizados en la prehistoria.

Antes de la Revolucion industrial los colores que se utilizaban para arte o decoración eran de origen terrestre, mineral o biologico. Aunque tambien algunos eran recolectados y comercializados de moluscos, o desechos animales. Por lo que la variedad de colores era limitada.

La manipulación o preparación de los pigmentos era un secreto de quienes los fabricaban, ocultando el origen de ese color, e impactando en su costo.

Tras la conquista del nuevo mundo, en el siglo XVI, llegaron nuevos pigmentos: el más destacado: el carmín. Así como al paso del tiempo los primeros colores sintéticos fueron: el blanco de plomo y la frita o azul egipcio.

Luego de la revolución industrial y cintífica surge una gran gama de pigmentos sintéticos, los cuales fueron para el comercio y su uso artístico. Con ello vino también el cambio de colores en las diferentes obras de la época.

Hoy día existe una gran variedad de Pigmentos  que hacen de las obras todo un caleidoscopio de luz y brillantez, así mismo la variedad de colores es extensa.

Aquí en México una de las mejores distribuidoras de pigmentos es Edicolor.

Es una pintura al agua que tiene como aglutinante es la goma arábiga. La diferencia entre esta y  la acuarela es; que el pigmento se muele menos fino. Esta técnica es una de las mas cubrientes, por contener los pigmentos en suspensión en una capa gruesa de aglutinante. La pintura es opaca.

Debido a su sencillez en elaboración como en uso son de las utilizadas en las escuelas de artes plásticas. Añadido a esto el bajo costo se vuelven una excelente opción.

"Delfin"

Acuarela de Cesar Murillo, (http://ow.ly/3jJoL )

"Enamorados"; Juana Luna, acuarela sobre cartón.

La acuarela es una mezcla de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel, goma del Senegal, así como otros componentes como glicerina, hiel de vaca, un agente conservador como puede ser el fenol o el ortofenilfenato de sodio…

En sus procedimientos se emplea la pintura por capas que son transparentes y con ello obtener mayor brillantez y fluidez en la composición que se esté realizando. Cuando hablamos de la técnica transparente de la acuarela nos indica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos de luz. A medida que sumamos capas nos va creando mayor profundidad. La intensidad o claridad de los colores en la acuarela vienen siendo modificadas a través de la cantidad de agua que le sumemos.

La característica principal de los trabajos en acuarela es la transparencia que producen estos pigmentos diluidos, lo que hace también que la técnica sea difícil, debido a que cualquier error es difícil de disimular o corregir, aunque si existen ciertos trucos que pueden ayudar, en base al conocimiento que de ella se tenga.

"Pantera no 2"; Juana Luna, Pastel sobre madera.

Dicha técnica, tiene más de cinco siglos de existencia, desde el  antigua formula hasta la que hoy conocemos., surge por la necesidad de material para colorear dibujos, pero pronto adquirió su valor y se desarrollo como técnica independiente y con una gran respuesta.

Esta técnica la han utilizado los pintores tanto de forma única como en combinación con otras, dando a sus trabajos una viveza en los colores, cierta facilidad en los trazos y en la difuminación en la entrada de colores sobre otros.

Este color esta hecho de pigmento en casi su totalidad, de ahí proviene la vivacidad de sus colores, y el impacto de estos en su realización.  Y pueden ser desde blandos hasta los más duros o rígidos. Al igual que la acuarela las obras realizadas con Pastel deben ser cubiertas por un cristal para que no haya deterioro.

 Podemos utilizarlos sobre madera, tela, cartones, con su imprimatura correspondiente para su retención.

El Modernismo viene con el reto de renovar la pintura, en oposición a los estilos que predominaban en ese momento, ejemplo el historicismo. Buscando en la naturaleza su inspiración, dando énfasis a los vegetales, las formas redondas, las asimetrías, líneas, una derivación que lo hace  ser confundido con el Art Deco.

Una de las características del Modernismo significa libertad, la posibilidad de desarrollar cualquier forma, color o idea.

Se incrementan las figuras femeninas en este espacio siendo figuras frágiles, delicadas y graciosas, con una actitud que llega al erotismo.

El Beso, Gustav Klimt. tomado de http://cajondehistorias.blogspot.com/2010/04/cajon-de-arte-el-beso-de-gustav-klimt.html

"Padre de Sezane" interpretación Juana Luna.

"Jarron con flores - Van Gohg" interpretación Juana Luna.

El postimpresionismo, viene a recuperar las formas  pero sin perder la luz que propuso el impresionismo,  Así en los últimos años del XIX y principios del XX nos encontramos con unos pintores que partiendo de este movimiento, derivan a una pintura más personal, que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes del siglo XX. El postimpresionismo que partiendo de la importancia del dibujo, y la luz,  sumando además la expresividad de las cosas y las personas iluminadas, su trascendencia para la evolución del arte es mayor a la de los impresionistas.

Algunas características generales:
– Interés por la construcción de la forma,  y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
– Conciliación entre efecto volumétrico (debido al fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto estético.
– Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos.
– Empleo de colores contrastantes para definir los planos y formas.
– Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, así como espacio y color.
– Utilización de colores puros con gran carga emotiva y modulada.
– Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar el sentimiento del pintor.
– Creación de composiciones simples  y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien específicos.

"Claveles de amor" Juana Luna. Oleo sobre madera.

El Impresionismo surge del desacuerdo con los temas clásicos y con las fórmulas artísticas preconizadas por la Academia Francesa de Bellas Artes.  Los impresionistas escogieron realizar la pintura al aire libre y basándose además en los temas de la vida cotidiana. El primer objetivo fue conseguir una representación del mundo muy  espontánea y directa, y para lo cual  se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.

Su preocupación principal fue el captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas, debido a que la luz tiende a difuminar los contornos y refleja los colores de los objetos circundantes en las zonas de penumbra.

Los pintores académicos a diferencia, definían las formas mediante una gradación tonal, utilizando el negro y el marrón para las sombras. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y se basaron tan sólo en las formas, empleando para ello los colores primarios —cyan, magenta y amarillo— y los complementarios —naranja, verde y violeta—. Consiguiendo ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas, mismas que al ojo del espectador y  desde una distancia óptima aumentaban la luminosidad mediante el contraste de un color primario (como el magenta) con su complementario (verde). De este modo, los pintores impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce de manera normal cuando los pigmentos se mezclan antes de aplicarlos.

"Claude_Monet Massif de chyssanthemes" tomado de http://exalted-beauty.blogspot.com/2008/05/botanical-inspiration-monet.html