Escucha el nuevo e impactante single de The Smoggers con Chaputa Records

Portada del 7" 

Para los medios de comunicación sensibles, incluso para los acérrimos fans de The Smoggers, resulta satisfactoriamente ardua la tarea de seguir los pasos discográficos de tan prolífico grupo: una de las formaciones “garajeras” con los planteamientos creativos e interpretativos más claros y convincentes de la escena internacional. Ya sea con su imprescindible proyecto como quinteto o mediante el dúo Charm Bag, con solo Fernando y Ana, se suceden, una tras otra, las obras de su magnífico imaginario de rock and roll con una constancia y una rapidez desbordante, hasta el punto de que, en escasos días, cualquier novedad puede dejar de ser lo más reciente de su excelso repertorio. Valga como ejemplo, uno de tantos, este nuevo single que Chaputa Records les ha editado este 2017, un año fructífero para esta gran banda, que no acaba sin otro disco del mencionado dúo del que ya hablaremos convenientemente en otro momento porque bien lo merece. Ahora,  nos centramos en este sencillo en el que los andaluces nos ofrecen un tema propio titulado “You can listen” en su cara A y en la B, una tremenda adaptación en castellano del tema de los Crimson Shadows, “You can’t Come Down” con el título de “Tú ya debes caer”.

Trayectoria

The Smoggers. Foto facilitada por la banda.

The Smoggers son actualmente Ana, al órgano y voz; Fernando a la guitarra, voz y armónica; Gusti al bajo (los tres desde sus inicios) más Juan Carlos a la guitarra y Juanjo a la batería.   Se crean en Sevilla el año 2008 y debutan en febrero de 2011 con un mini Lp 10", editado por Clifford Records, con el título de "Smoggin´Your Mind". Ese mismo año sacan un single con Grit records y a principios de 2012 presentan, también con Clifford, otro mini Lp con el título de "Chinese Food". En 2012 graban en los Hollers Analogic Studios de Málaga los temas de sus siguientes sencillos. El primero editado con KOTJ Records con los temas "Shame on You", más una versión del "It´s just not the Same" de los Delinquents, y un tercer tema titulado "Jump inside". Su siguiente Ep se titula "Breaking your boots wih…" y sale también con KOTJ Records y Ghost Highway Recordings. En verano de 2013, el sello neoyorquino Chickpea Records editaba un split con los japoneses The Fadeaways. Por su parte, aportan el tema "I let you Go" más "I wanna be a Zombie", incluido en su disco "Chinese Food".

The Smoggers. Foto facilitada por la banda.

Su primer Lp "Join The Riot" fue grabado en los mencionados Holler Analog Studios de Málaga en verano de 2013, donde también se materializó el segundo, "Shadows in My Mind", editado en 2016 por la discográfica alemana, Soundflat Records. Ese segundo trabajo Ana se hace cargo de los teclados. En 2016 el sello portugués Chaputa Records les editaba un doble single compartido con los Satelliters. Su más reciente Lp se llama "Dark Reaction", de nuevo grabado con Maxi Hollers y editado por Soundflat records. De todo ello puedes leer en Magic Pop su correspondiente reseña.

Por su parte, Ana y Fernando tienen montado un dúo llamado Charm Bag con el que ya han sacado tres discos. Primero salió “Woodooo Rock and roll” (Kizmiaz Recrods 2014) y después “An Andalusian Dog” (Dead Beat Records 2015). Ese año editan un Split con Thee Gravemen para H-records, al que sigue otro con Smoggers para el sello británico Trash Wax Records en 2016. Recientemente acaba de editarse  "From Hell", su tercer Lp (Kizmiaz Records 2017).

Producido por los Smoggers y Maxi Holler, las canciones de este single con Chaputa fueron grabadas, mezcladas y masterizadas por Maxi Holler en sus Hollers Analog Studios de Málaga en 2017. El artwork con ese bien dibujo del instrumental en la portada es de Chris “Sick” Moore. En la contraportada, podemos ver una foto de la banda en directo en 2016 en la VII edición del Sixties Weekend Ebroclub en Miranda de Ebro.

Las canciones

The Smoggers. Foto facilitada por la banda.

En la cara A nos cautivan con el tema propio “You can listen”, cantado en inglés, en el que explotan esas guitarras tamizadas con fuzz salvaje, apoyadas por riffs oscuros de órgano, más una sección rítmica poderosa sobre la que la voz principal desenvuelve la melodía con persuasivo estribillo. Pasajes de “garage psych”, con una fuerte presencia del órgano aportando segundas voces o movimientos solistas de antología, dan un toque de distinción a esta banda. Un gran grupo capaz de conjugar andanadas de guitarra con secuencias lisérgicas de órgano, bien cantadas, generando una pasión que crece a buen ritmo, compás a compás, dando forma a intensidades irreductibles, incluido un momento solista de armónica.

The Smoggers. Foto contraportada del single

Ya en su cara B nos agasajan con una descomunal versión del tema de los Crimson Shadows, “You can’t Come Down” adaptado al español bajo el título de “Tú ya debes caer”. El original fue editado por Sunlight Records en 1985 como cara B del single con “Even I Tell Lies” en la cara A. Los Smoggers aportan una letra en castellano describiendo la personificación de la falsedad y la mediocridad que “ya debe caer”. Musicalmente se recrean en sus varios riffs tan característicos ya sea con el contundente bajo, la hiriente guitarra, o el omnipresente órgano perfilando figuras sinuosas, respaldando a las voces. Por supuesto, aceleran en los compases finales con descargas férreas de guitarras y armónica.

Reflexión final

The Smoggers. Foto facilitada por la banda.

The Smoggers no solo atesoran un amplio repertorio de temas propios, más versiones apasionantes, ya sea en castellano como en inglés, sino que están, sin tapujos que valgan, ente las tres mejores bandas de “garage” a nivel internacional, ya sea por sus resultados en estudio como por sus aclamados directos. Lo hemos dicho en innumerables ocasiones, nuestras reseñas dan sobrada fe de ello. Y si las cosas siguen así de fructíferas e intensas como en este nuevo single que presentan con Chaputa Recrods este 2017, continuaremos remarcando con insistencia su enorme valía porque, a nuestro juicio, no nos parece que las evidencias hagan la mella suficiente en nuestra, en ocasiones, excesivamente sectaria escena de rock and roll.  Curiosamente, dentro de la marginalidad manifiesta de “somos cuatro” aún nos permitimos el lujo de que existan los “gurús”, los medios informativos favoritos, los Dj’s molones con muchos discos “sixties”, las bandas de amigotes, los disfraces, y los perfiles de Facebook en los que hay que comentar sí o sí para que se sepa que estamos metidos en el meollo. Pero bueno, allá cada cual con su historia; tampoco hay que darle demasiada importancia a nada ni a nadie, porque si lo hacemos corremos el riesgo de envalentonarnos demasiado y mandarlo todo a hacer puñetas, y sería una pena, la verdad, al menos de momento.

Nota: Puedes adquitir una copia en la web de Chaputa records. 

Daniel Wylie’s Cosmic Rough Riders nos ofrece guitarras y melodías de ensueño en su “Scenery For Dreamers”

Portada

Si tenemos en cuenta toda su fructífera carrera,  resulta de lógica aplastante esperar que cualquier nuevo trabajo del compositor, guitarrista y cantante escocés Daniel Wylie contenga todos los ingredientes necesarios para entusiasmar a todos sus fans, así como a cualquiera que se sienta atraído por la compenetración melódica y rítmica del mejor pop.  Incluso, podemos apostar que con cada nuevo disco, va a aportarnos no solo más razones con las que admirar su facilidad para crear canciones perfectas sino que además no van a faltarnos múltiples detalles y nuevos matices que redimensionarán su enorme creatividad.  Con estas premisas, “Scenery for Dreamers”, título escogido para su más  reciente álbum, editado por la española You are The Cosmos, no nos defrauda en lo más mínimo e incluso creo que su principal factótum ha conseguido su mejor trabajo hasta el momento. Se trata de un disco emocionante, repleto de canciones que te impresionarán y  que, en esta ocasión, han sido articuladas con arreglos poderosos. Predominan las guitarras hirientes que aportan a la sensibilidad de las melodías la ferocidad y el impulso necesario para que se claven de forma certera y firme en tu alma ya desde la primera escucha.

Trayectoria

Daniel Wylie

Daniel Wylie es de Glasgow  y empezó formando The Thieves con Jim Brady a los teclados, Tom Mcgarrigle al bajo, Stephen Boyd a la batería, y Park Price a la guitarra. Grabaron unos cuantos sencillos desde fimales de los ochenta a principios de los noventa. Los Cosmic Rough Riders fue una banda de Glasgow que se formó en 1998 con Daniel Wylie, voz y guitarra, más Stephen Fleming a la guitarra, a los que se añadieron Gary Cuthbert a la guitarra, James Clifford al bajo, y Mark Brown a la batería. Tal y como se nos cuenta en esta entrevista publicada por el blog Power Pop Action, originalmente era un proyecto en solitario de Wylie y pasó a ser un grupo cuando necesitó hacer presentaciones en directo para intentar conseguir un contrato discográfico. “Desafortunadamente para mí –sigue Daniel- cuando nos vio Alan McGuee quiso ficharnos tal como éramos en directo”.

Danierl Wylie

Empezaron  autoeditándose los discos “Deliverance” (1999) y “Panorama” (2000). Firmaron con el sello Poptones, creado por Alan McGee (exdirector de Creation) y sacaron “Enjoy the Melodic Sunshine” (2000) con temas de los anteriores trabajos.  A partir del año siguiente consiguen un éxito considerable con los temas “Revolution (In The Summertime?)” al que le sigue “The Pain Inside” llegando a disco de platino en el Reino Unido. Ya en 2002 Daniel Wylie decide emprender una carrera en solitario, tras insalvables diferencias con alguno de los componentes de la banda sobre la auténtica autoría y consecuente beneficio de las canciones. Le substituye a la voz principal Stephen Fleming. Con “Pure Escapism” (2002), colección de rarezas y caras B, cierran su primer etapa.
La banda, ya sin Daniel, regresa en junio de 2003 con “Too Close To See Far” y el single “Because You” editado por  Measured Records, con el que obtienen un nuevo éxito, así como con “Justify the Pain”. En 2005 graban con Paco Loco su nuevo trabajo “The Stars Look Different from Down Here” editado en 2006 por Rykodisc.

Contraportada

Por su parte, Daniel Wylie tiene grabados hasta el momento cinco discos en solitario que son “Ramshackle Beauty” (Measure records 2004); “Postcards" (Measured records 2005), con descartes del anterior y algunos temas anteriores al primer disco de Cosmic Rough Riders; “The High Cost Of Happiness” (Neon Tetra 2006), "Car Guitar Star” (Neon Tetra 2008); y “Fake Your Own Death” (Daniel Wyllie records 2010). 

You are the cosmos sacaba en 2015 “Chrome cassettes” a nombre de Daniel Wylie's Cosmic Rough Riders y, más recientemente,  un recopilatorio con el título de “Best Of The Solo Years (2004-2014)” editado en 2016. Un par de álbumes perfectos que nos  mantuvieron entretenidos, satisfechos y emocionados a la espera de este nuevo disco "Scenery For Dreamers" (2017).  Puedes leer más detalles de esos trabajos entrando aquí.

Galleta

Su nuevo disco fue grabado “Scenery for Dreamers” fue grabado por Johnny Smillie en La Chunky Studios de Glasgow. Smillie también se encargó de la producción con Daniel Wylie, así como de mezclarlo y masterizarlo. Colaboraron Stuart Kidd (batería), Steph McKellar (bajo), y de forma puntual los músicos: Neil Sturgeon (guitarra y mandolina), Johnny Smillie (guitarra y arreglos de cuerda); Jim McCullock (guitarra).  La carpeta es de David Wells de Portfolio Graphics y la fotografía de Nicholas Wylie. En la galleta del disco, un homenaje al sello Harvest de EMI. You are the cosmos lo ha sacado en vinilo, con las letras en carpeta interior y el autor en Cd.

Las canciones

Daniel Wylie

El disco se inicia con “Rope (Everybody Lies)” y esas sensacionales guitarras feroces perfiladas con destreza y acompañadas por una impecable sección rítmica con la que se ensalza una melodía apasionante, con sus “papapa” de pop coral estableciendo bloques etéreos de atractivo contenido. No faltan fraseos en segundo plano que culminan las excelencias de esta maravilla de canción con la que se abre una auténtica exhibición de talento a raudales. Continua con “I Hear You Call My Name”, tema que acomete con riffs salvajes envolviendo sonoridades tiernas entre planteamientos rítmicos perfectos. Vuelve a destacar la convincente  voz de Daniel entre múltiples destrezas instrumentales. Crescendos que desembocan en fascinantes estribillos o esos esenciales cambios armónicos constituyen otras de las marcas de registro propio dignas del mejor de los maestros.  A destacar su obsesivo final que se nutre de elementos ácidos. 

Daniel Wylie con Neil Sturgeon

Le sigue “Cold Alaska”, otra sensacional muestra de trenzado rítmico y melódico con ingredientes de primera calidad. Un tema que entusiasma ya desde sus primeros compases con su marcado tempo y su indudable poderío cadencioso. Resulta inmejorable ese cambio, hacia la mitad del tema, que traslada la canción a parámetros más lisérgicos y envolventes para después regresar a los motivos principales con una subida de adrenalina garantizada por la  batería. No falta un buen solo psicodélico de guitarra que ayuda a reestructurar el tema con parámetros ciertamente soberbios. Prosigue el álbum con “A Gravestone Without A Name”, corte en el que se desmenuza un bonito motivo sonoro entre recorridos acústicos de guitarra aportando dosis de melancolía que te encantarán y te invitarán a flotar en la inmensidad de tu imaginación mientras te recordarán la futilidad de la existencia terrenal.  Cierra la cara A “Jingle Jangle Morning”, un auténtico prodigio de canción en la que todo parece estar pensado al más mínimo detalle. Con su extraordinaria voz, esas guitarras portentosas construyendo riffs, acompañamientos, solos y segundas voces, más ese bajo y batería trabando un pausado pero firme deambular, el tema se nos antoja como de lo mejorcito de un álbum que resulta, como podrás darte perfecta cuenta, ciertamente único.  

Daniel Wylie

Abre la cara B “Lucky Find” con su espectacular introducción instrumental en la que guitarras y percusión se combinan para estremecer nuestras neuronas con líneas argumentales sinuosas y ritmos combativos que desembocan en otra exhibición inusitada de fenomenal pop en todo su esplendor. Para suerte, la nuestra al poder escuchar tan descomunal trabajo en el que una tras otra, las canciones nos dejan absolutamente anonados y, a la par, más que satisfechos. A continuación nos ofrece “I Dream About You”, otro motivo de auténtico ensueño en el que los matices altamente sensibles de bajo, guitarra y batería, con voz onírica, se tornan especialmente misteriosos antes de explotar en el colorido del estribillo. Una canción que muestra el excelso abanico de posibilidades que distinguen el universo creativo de este inspiradísimo Daniel Wylie convenientemente respaldado por una banda de, no menos extraordinarios, músicos.    

Daniel Wylie con Neil Sturgeon

Llegamos de este modo a “I Want To Kill You Lover”, otro instante molecular de vocación reservada que pretende recuperar el amor perdido entre guitarras acústicas, voces etéreas, y pacientes desarrollos sonoros que avanzan con perseverancia más una innegable ternura un tanto desesperada por las circunstancias personales que se nos relatan. Con “Full Moon On the River”, su autor regresa a su faceta más incisiva arropando una preciosa melodía, otra más,  de arreglos de powerpop contundentes con un pie puesto en el beat de tradición sixties. El conjunto deriva, de nuevo, resplandeciente, generoso, a momentos más reflexivos que contienen matices lisérgicos. Acaba el álbum con “(Won't You) Just Smile”, un cierre altamente sensible para este trabajo tan sumamente brillante. Daniel recorre los últimos surcos de forma sobrecogedora interpretando una bonita canción con su maravillosa voz ayudado por guitarras acústicas, teclados envolventes, arreglos atmosféricos de cuerda, y una rítmica ciertamente cautivadora con los que lograrás perderte en la inmensidad de la noche oyendo esos tiernos “lalala” finales a modo de despedida.    


Reflexión final

Daniel Wylie

Pese a sustentarse en melodías resplandecientes, las letras del nuevo disco de Daniel Wylie, titulado “Scenery for Dreamers”, son por regla general  melancólicas. Sus historias existenciales, de amor y desamor,  con más o menos suerte vital, nos inspiran ternura recreándose en un estado de ánimo que  ya se refleja en la nocturna carpeta del álbum con esas dos siluetas observando el lago bajo un gran cielo estrellado.  Wylie nos habla de sueños que nunca se hicieron realidad, ilusiones que quedaron atrás, de chicas solitarias, de no desperdiciar el tiempo rezando cuando sabemos que todo el mundo miente porque la verdad duele.  Sin embargo, ese contraste entre lírica y sonido resulta especialmente alentador. Le permite expresar sus emociones con un poder de convicción enorme,  arropando los recuerdos mediante   instrumentaciones luminosas repletas de matices emocionantes. De este modo nos regala un disco pletórico diseñado al milímetro desde sus enormes  guitarras hasta sus intimistas letras tan sensibles.  El paisaje vital que vas a disfrutar es el de un álbum que te reafirmará la levedad del ser con excelentes maneras.  Tal y como se incide en una de sus flamantes canciones, un día de estos todos desapareceremos, pero perdurarán nuestras obras, más o menos grandes, pero muchas de ellas tan imprescindibles como este fantástico álbum dispuesto a colmar los deseos de todo soñador empedernido. 

Nota:  Puedes adquirir una copia del disco en vinilo en la web de You are the Cosmos.

Urtain nos facilita un sugerente e impresionante “Manual de supervivencia para ilustres decadentes”

Portada

Tal y como empieza el nuevo álbum de los veteranos y siempre convincentes Urtain, “corren tiempos inciertos” y puede que, por eso o a pesar de ello, esta banda de Palma de Mallorca haya sacado al mercado su cuarto disco bajo el título genérico de “Manual de supervivencia para ilustres decadentes”, de la mano de las incombustibles discográficas Espora y Flor y Nata. Se trata de un disco estremecedor, repleto de canciones exquisitas, muy bien construidas, en las que demuestran no solo un pleno conocimiento de causa, tan vital como musical, sino que además resulta impresionante por sus suculentas melodías envueltas en arreglos conmovedores. Quizá haya que hacer de tripas corazón para tenerlo todo controlado, tal y como inciden en otra de sus descomunales canciones, pero si en tu experiencia cotidiana te inquieta el paso del tiempo, las relaciones amorosas “a quemarropa”, de esas que dejan “cadáveres en el armario”, con todos esos secretos que confesar, o simplemente algún día quisiste impresionar a alguien bailando como John Travolta, este disco va a resultarte muy necesario, tanto que te va a parecer extremadamente preciso para caminar por el “lado oscuro” de la vida, “sin dar el brazo a torcer”.  

Trayectoria  

Urtain. Foto de su facebook

Urtain son Julio Molina (voz, guitarra, armónica, que fue miembro de Mineralwater),  Gabi Marcos (batería y percusión), Iván Tobiass ( guitarra y coros. Ex Cocodirles, Pistones, Germans Tanner), Toni Trobat ( bajo y coros),  y Pep Aguiló ( piano, órgano hammond y coros). La banda se forma en Palma de Mallorca en 2008 por Julio Molina, Lluís Matas, Gabi Marcos, Toni Trobat y Pep Aguiló. En 2008 graban su primer álbum “Canciones Selectas en Conserva” editado por Lucinda/ Subterfuge Records. Durante 2008 y 2009 actúan en directo por varios escenarios presentando ese primer disco. Le sigue un single del tema “Hablemos”, más el disco “Más difícil todavía” (2011) y el Ep “Un domingo cualquiera” (2014).

El disco que ahora te presentan se grabó en noviembre de 2016 en directo en los estudios Diorama Sound por Toni Salvá. Se mezcló en abril de 2017 en The Stratoscope por Antoni Noguera y se masterizó en septiembre de 2017 en Hay Zeleen Mastering. Producido por la banda, han contado con la colaboración de Ariel Rot a la guitarra solista y coros en el tema “De tripas corazón”.   El diseño de la portada es de Hell’s Kitchen Studio, y se incluyen fotografías realizadas por Mike Ordinas. El libreto del cd recoge también las letras de las canciones. 

Las canciones  

Urtain en directo

Comienza el álbum con “Días de radio”, mediante una contundente concepción rítmica de bajo y batería a la que se suman las guitarras resplandecientes “afilando los dientes en sol mayor”. Entre noches sin final y los motores rugiendo, nos hablan de esos recuerdos de juventud, “días de radio, del verano del 92 soñando despiertos hasta ver salir del sol” con una excelente melodía muy bien interpretada por la magnífica voz principal  entre arreglos repletos de matices a juego con susurros, declaraciones de intenciones y una letra cargada de sentimientos.

Con Ariel Rot grabando la guitarra

Le sigue “De tripas corazón”, otra excelente exhibición de recursos dando forma a una canción intensa en su máximo esplendor “para tenerlo todo controlado sin hacerse el héroe” con aportaciones de rock americano en la que fluyen el intenso órgano y esa preciosa guitarra “viajando al pasado”.  Un bonito estribillo explota con toda su luminosidad entre momentos instrumentales conmovedores, y otros a dos voces, que nos aportan “una zona de confort” que impide que “todo salte en mil pedazos”.  El siguiente corte se llama “La playa del mago”. Fluye con ritmo bailable de funk disco dando cobertura a una excelente canción de guitarras y voz poderosa con “efectos especiales” que conforman un “show que jamás habrás visto antes”. Te hipnotizarán con sus poderes mentales creando “un oscuro objeto de deseo de madres solteras y metrosexuales en la playa del mago…donde todo vale”.   

Prosiguen con “Alicia”,  genial combinación de ritmo y melodía perfilada por una sabrosa guitarra eléctrica, incluido un buen solo, una convincente voz principal, más una sección rítmica impecable. Nos hablan de una Alicia de cuento, pero también muy real: “déjala que entre en el agujero, que persiga el conejo”.  Con la procesión por dentro, Alicia va detrás de a la salida a un sueño que marchita, dejando que la ilumine la luz del día, escuchando más mentiras, con la mirada perdida. Alicia, “déjame lamerte heridas”.   

Urtain en directo. Foto: José Luis Luna

Llegamos de este modo a “Amor a quemarropa”, tema penetrante que crece hasta la inmensidad entre sublimes teclados, ritmos precisos, y voz calurosa para “borrar de un plumazo los gritos y portazos, la guerra de guerrilla y los acuerdos de Estado…las páginas en blanco del último verano, los libros que no hemos escrito, los árboles que no hemos plantado… borraré de mi memoria todos los archivos dañados”. Un turbador tema para “vagar como un perro sin dueño” y quedarse “con lo mejor de ti… a veces poco, otras demasiado… amor en vena y en vano”.    

Con “Cadáveres en el armario” cruzamos el meridiano  de este sensacional disco repleto de emociones a flor de piel. Regresan las guitarras de ese power pop penetrante para “convertirte en hombre lobo al caer la noche” con el propósito de sincerarse porque “todos tenemos cadáveres en el armario y secretos sin confesar”. No falta otra buena aportación de guitarra lisérgica que redimensiona las placenteras armonías envolventes.  “En el lado oscuro” es una canción muy rockera, con detalles de black music y otra letra, no solo muy bien trabajada sino perfectamente hilvanada en una estructura musical perfecta en la que añaden toques de piano, guitarra ácida, y esa capacidad de llevarnos en volandas hasta el esplendoroso estribillo donde “arderás en la hoguera, si caminas esta noche conmigo, no veremos nada nuevo que no vimos alguna vez porque no hay signos de vida más allá de este cielo”. 

Urtain. Foto: José Luis Luna

Seguimos quemando cartuchos ciertamente explosivos con “Bajo el cielo de Berlín”, otra exquisitez en la que “buscamos el camino…alzamos nuestras voces cuando hablamos de lo humano y lo divino, y dejamos que las dudas nos invadan… abrazados bajo el cielo de Berlín”. Una canción “entre un millón” de canciones pop que resulta única, como todas y cada una de los temas de este disco, por la brillantez creativa e interpretativa de esta banda en estado de gracia. Un combinado de guitarras, armónica, y ritmos portentosos, dan forma a este sensacional corte a tempo relajado y fraseos divinos tanto instrumentales como vocales.

Con Toni Salvá en Diorama Sound

Continúa el disco con “En la cocina”, corte para rebozarte con harina al tiempo que “nos juramos amor eterno, y nos amamos a fuego lento, cuando se junta el hambre con las ganas de comer”. Amor y gastronomía mezclados con un maridaje de buen humor y cariño. En este caso, la banda se torna muy ritmanblusera y stoniana para dar vida a un tema que convertirá  tu alma en un horno a 180 grados y incitará tus deseos como “un cuchillo bien afilado”.   

Con “todo patas arriba”, vamos terminando con “La balada del viejo y el diablo” que como su nombre indica es una preciosa balada  entre luces y sombras para “aceptar que no somos iguales y que nunca lo seremos pero estamos condenados a entendernos”.  Con excelentes momentos solistas de piano y guitarra, emerge una melodía a modo de sincero abrazo para “lo bueno y lo malo” con el propósito de que cada cual entiende su parte de “viejo” y de “diablo”,   y “haga caso del instinto que eso siempre ha funcionado”.   

Urtain. Foto de su facebook

“Bailar con John Travolta” es su penúltimo corte, y en el dan forma a una estremecedora canción en la que confluyen las enormes dotes musicales como líricas de sus artífices. Un divertido tema en el que nos hablan de ese momento en el que “ya sabes lo que pasa cuando entras en la pista y has bebido demasiado”. Ese instante en el que quieres impresionar a esa persona especial, que “se te va un poco la olla”, pero que no puedes evitar bailar “bajo la bola de espejos”.

Tras mover las caderas “de esa forma”, acaba el álbum con “Bonnie & Clyde”, la última maravilla de este extraordinario manual de supervivencia en el que confluyen por última y arrebatadora oportunidad las habilidades de todos y cada uno de los músicos de Urtain en un corte sensacional, majestuoso, que va creciendo compás a compás, a dos voces, entre ritmos contundentes, guitarras imponentes, y teclados ceremoniosos para que el oyente, “se acuerde de verdad” de tan espectacular obra discográfica con muchísimo estilo.   

Reflexión final 

Urtain. Foto de su facebook

Urtain son de esas bandas que, sorprendentemente, nos habla de nosotros mismos sin siquiera conocernos en persona. En sus tremendas y sugerentes canciones vas a encontrar unas cuantas vivencias con las que te sentirás no solo identificado sino también tremendamente confortado porque no había forma humana de entender que eso tan inexplicable, te pasase solo a ti. De ahí tan explícito disco: todo “Un manual de supervivencia para ilustres decadentes” en los que podrás encontrar algunas salidas tan dignas como emocionantes a esa insoportable levedad de lo cotidiano.  Quizá tú, todos nosotros, y Urtain seamos unos pocos entre un millón, “tan solo un fallo en el sistema” como ellos mismos dicen en otro de sus conmovedores temas, pero “no queremos que sea perfecto, algo  por siempre jamás” sino que solo buscamos “algo que sea real”. Así que haz caso de tu instinto “que eso siempre ha funcionado” y agénciate una copia de este imprescindible compendio existencial a ritmo del rock and roll con melodías inolvidables de pop atemporal.    

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp de Espora o el de Flor y Nata donde también podrás agenciarte una copia.

Ambros Chapel siguen generando semblanzas vitales únicas y muy creativas con “Portraits” (Flor y Nata 2017)

Portada Cd

Desde hace unos cuantos años, seis para ser exactos, que Magic Pop sigue con especial interés la carrera discográfica de Ambros Chapel, sensacional banda valenciana que este 2017 nos presenta su nuevo trabajo con el título de “Portraits”, editado por Flor y Nata Records. Cuando oímos atentamente su segundo disco titulado “Constants are Changing”, allá por 2011, nos dimos cuenta, sin titubeo alguno, de que estábamos frente a una banda única: Una formación de grandes músicos, excelentes instrumentistas que arropan a una excelente voz solista, trabajando en equipo como pocos para dar forma a creaciones ciertamente sorprendentes. Ambros Chapel emergen mediante un proyecto fascinante dispuesto a crecer ofreciéndonos un producto original que, si bien tiene unos referentes estructurales propios del post punk de los ochenta a modo de sólidos cimientos, su música no resulta en absoluto  predecible. Hace media década les reseñamos en este blog con nuestros mejores parabienes, esperando otros tantos trabajos igual de exquisitos e incluso mejores. El tiempo nos ha dado la razón. Por eso, tenemos el gran orgullo así como el enorme placer de hablaros de su nuevo disco; un álbum perfecto en el que más de una canción va a recordarte a algunos de tus grupos de cabecera pero no como homenaje, ni mucho menos como copia, sino con la absoluta certeza de que, a buen seguro, les hubiera gustado a esos grandes de la escena siniestra británica el haber compuesto canciones tan memorables como estas que nos ofrecen los Ambros Chapel.        

Trayectoria 

Ambros Chapel. Foto: Ana Sánchez

Ambros Chapel son actualmente Pablo Casero (voz y guitarra), Alfred Sanchís (bajo),  Oscar Vadillo (guitarra solista) y José Rodríguez (batería). Anteriormente, formaron parte del proyecto otros músicos como Vicent Ortiz (teclados) y Rafael Vicente (guitarra, coros). Empezaron en 2006, año en que grabaron su primera maqueta con la que consiguen cierta repercusión local a partir de su primer concierto en el Loco Club de Valencia. Al año siguiente dan forma a su segunda demo y salen de su ciudad para tocar en otros puntos del Estado quedando como semifinalistas de varios concursos a nivel nacional. Algunos de sus temas empiezan a ser bastante conocidos; aparecen en recopilatorios y en 2008 ganan el concurso Troglogló, en su sexta edición, organizado por la Caverna, local valenciano, al que se presentaron cerca de 40 grupos noveles. Ese premio les permite grabar dos canciones con Dani Cardona en Studio 54. Su agenda de conciertos sigue aumentando mientras ultiman la grabación de su primer disco que presentaron en noviembre de 2009 con el título de “Rome”, editado por el sello valenciano independiente Malatesta Records y distribuido por Everlasting/Popstock. A destacar que una de sus canciones más conocidas, “25” se emitiría en la BBC en el año 2009.

Ambros Chapel. Foto de su facebook

Su segundo álbum “Constants are Changing” (7days music 2011) fue grabado y mezclado por Paco Morillas en Blackout Musice y masterizado por Mario G. Alberni. Puedes leer una reseña de este disco en el Magic Pop entrando aquí.  A finales de 2012 graban y mezclan un Ep “Electric Eye” (7Days Music y To Jail Records).  También han aportado la versión de la canción “Wellcome” en el disco homenaje "Bajo un cielo prehistórico - Tributo a The Church" (2014, Lunar Discos).  Ya en 2015 versionan el tema “Blue Monday” para el disco “Dreams never end: A tribute to New Order” para los brasileños The Blog That Celebrates Itself (TBTCI Records).

Ese mismo año 2015 sacan su siguiente disco se titula “The Last memories” (7Days Music/Harmony Rock) del que también te hablamos aquí.  Además, este 2017 han colaborado  con una versión de “Adictos a la Lujuria” en un disco de tributo a Parálisis permanente bajo el título de “Unidos” editado por Leningrado records en 2017 y con una adaptación de “M”  para otro recopilatorio del mismo sello con canciones de los Cure con el título de “Close to you”.     

Artwork del disco 

Las canciones de “Portraits”, compuestas, interpretadas y producidas por la banda, se grabaron entre marzo y junio de 2017 por Carlos Soler Otte en los Millenia Studios, Carcosa Studios y Calexico Studios, de Valencia. El disco se mezcló en los Calexico Studios por el mismo Carlos Soler y lo masterizó Mario G. Alberni en Kadifornia Mastering.  La introducción hablada de “Déjà Vu” es del escritor y novelista estadounidense de ciencia ficción, Philip K. Dick. Las fotos son de Raquel Norte y el artwork del Cd de  Bhyf. Se incluyen las letras de las canciones en inglés.

Las canciones 

El disco empieza con “Mental”, fascinante mezcla de ritmos conmovedores con una melodía pasional en la que las guitarras tejen fraseos envolventes que van cautivando el interés del oyente acompañando a una sensacional voz solista. La perseverante sección rítmica avanza con soltura y poderío participando activamente en la expansión sonora de este estado mental cargado de paciencia y crueldad hasta la muerte. Le sucede “Glassvegas”, canción para un día soleado de domingo sin mentiras, en la que destacan esos arreglos soberbios de post punk que emanan con dulzura entre juegos corales, ritmos sensuales, y una sonoridad exquisita procurada por una voz solista descomunal acompañada por arpegios de guitarras y coros indispensables. Toques de oscura psicodelia y estribillos etéreos completan una canción atmosférica memorable.  Sigue el álbum con “Whiskey”, tema con “un corazón en el centro de mi whisky” a la búsqueda de alguien en que confiar.  Ritmos solemnes de bajo y batería, más aportaciones siniestras de guitarras pérfidas, dan cobertura a la insistente voz principal que desgrana esta plegaria espeluznante que explota con grandiosidad inusitada entre tremendos recorridos eléctricos.   

Fotos: Raquel Norte

El siguiente corte es “Someone”, otro sugerente ejemplo de la destreza de esta gran banda para perfilar arreglos que despiertan pasiones entre preguntas existenciales “dime quien soy, quiero ver qué está pasando”.  La concepción melódica se complementa con una rítmica muy bien perfilada sin olvidar el papel caudal de la voz y las aportaciones solistas de la guitarra. Llegamos a la mitad del álbum con “Déjà Vu” y la voz introductoria del escritor norteamericano  Philip K. Dick (nacido en 1928 y fallecido en 1982). Golpes de efecto, entre las estrellas y el hielo con el “deseo que la lluvia limpie el dolor”. Una canción majestuosa en la que sobresalen las andanadas del bajo, los choques de percusión, los arpegios siniestros, las segundas voces hirientes de la guitarra, y la voz enfática principal.  El tema crece hasta límites insospechados dando forma a un universo de matices ácidos y obsesivos. 

Ambros Chapel. Fotos: Raquel Norte

A continuación está  “In the Fall” con su ruego amoroso: “Dame una oportunidad, trataré de encontrar las palabras y ser tu amante bajo la lluvia de verano”.  Este tema arranca con una compenetrada sección de guitarra y bajo más batería que dan cobertura a la emotiva voz principal que nos conmueve entre descargas arrebatadoras que se repiten de forma hipnótica. Con “Beirut”, los Ambros Chapel se tornan más encantadores si cabe con un tempo relajado, esa voz que surge de lo más profundo del alma “susurrando al oído”, y esas guitarras que construyen arpegios sutiles que acaban convirtiéndose en acordes aguerridos o en un breve pero intenso solo “lidiando con el miedo”.

      

Prosigue el álbum con “Insight”, tema que recupera su entrega y forma más hiriente mediante ese meticuloso bajo, con guitarras ampulosas, metódica batería y voz tremendamente sugerente.  Otro canto sublime intimista que contiene otro momento original de guitarra. “Wonder Why” es el título del penúltimo tema, un corte altamente estimulante dentro del amplio abanico de parámetros de esta banda en la que todos y cada uno de los instrumentos se compenetran a la perfección levantando la sensacional voz principal a lo más alto del universo post punk, incluso con un leve pero perceptible toque de country oscuro nada desdeñable, sin faltar esos peculiares solos de guitarra ciertamente arrebatadores.  En este caso el protagonista se pregunta por qué “escondes tus miedos… tus ojos parpadean cuando mientes”.   

Ambros Chapel. Foto de su facebook

Acaba el álbum con “August”, la última de las distinciones de este portentoso disco, en la que te recomiendan que guardes tus armas para tiempos más difíciles en los que los días pueden llegar a ser muy largos. Suspiros entre resoluciones instrumentales fantásticas dando forma a sonoridades únicas que vienen hasta nosotros para aminorar nuestra ansiedad vital colmándonos de canciones sublimes.    

       

Reflexión final 

Ambros Chapel

Cuenta el periodista valenciano César Campoy, sobre este nuevo disco de Ambros Chapel titulado “Portraits”: “En estos tiempos frenéticos en los que bailamos, debatiéndonos entre el optimismo pasajero y lo existencial en su vertiente más desconcertante; en esta era en la que el tiempo transita veloz y apenas brinda un respiro a lo meditativo, no resulta nada sencillo mantenerse firme en convicciones, fiel a los principios que nos mueven. Los creadores sobreviven, a duras penas, transitando entre senderos flanqueados por muros de espinas que tratan de impregnar de cicatrices con la palabra "efímero" el ideal de arte”. En ese contexto, sigue  Campoy, “Ambros Chapel permanecen despiertos, casi impasibles, luchando por mantener, sorprendentemente, aquella filosofía a la que decidieron abrazarse hace más de una década. Sin desfallecer. Aquellas fuentes a las que acuden, de seguido, para seguir inspirándose a la hora de cincelar, con mimo, sus criaturas sonoras”. Ante presentaciones tan certeras y emocionantes como ésta, que puedes seguir leyendo en su bandcamp, poco a nada de relevante le queda a este cronista que añadir sobre tan fascinante disco, quinta entrega del universo de esta banda valenciana  editada por Flor y Nata este 2017. Si bien la banda ha aprehendido todo lo mejor del sonido post punk de los ochenta, su obra no se ha quedado anclada en esos referentes sino que ha evolucionado para dar sentido a un espacio creativo propio del que emergen canciones tan sublimes como éstas con las que conforman un trabajo discográfico excelente repleto de momentos sonoros estremecedores.    

Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp del grupo aquí o en el del sello aquí donde podrás adquitir tambiñen una copia del Cd.  

La Banda Magnética apuesta por volar bien alto disparando temas contundentes de punk rock

Portada del Cd

Resulta sintomático que la burgalesa Banda Magnética  reinterprete un tema  de su primera maqueta llamado precisamente  “Quiero Volar” y lo incluya en su segundo disco también  autoeditado este 2017. “Dispara” que así se titula este segundo trabajo recoge esa canción de tan explícito título más otros once destacadas creaciones con las que este poderoso trío  ha pasado de ser una formación de rock and roll  respetable a “volar” bien alto con una resolución   mucho más ambiciosa que en sus inicios. Un proyecto amplio,  versátil y repleto de matices de diversos estilos como pueden ser el powerpop, el “garage”, el punk o el post punk. Todo ello muy bien interconectado con el propósito conseguido de delimitar una jurisdicción propia de la que emergen grandes creaciones de melodías sugerentes y ritmos recios.     

Trayectoria 

La Banda Magnética. Foto: Aitor Gil

La Banda Magnética empieza a tomar la forma actual en 2015 con Jaime Recio al bajo y voz, Iñigo Alonso a la batería, y Juan Riscado a la guitarra.  Dos años antes Jaime, desde su estudio, contacta con Iñigo. Se les une Alberto y Jaime pasa al bajo.  En 2014 graban los primeros temas que sacan mediante un primer Cd de título homónimo con  diez temas de rock and roll grabados en  los Estudios Checkpoint de Salas de Bureba (Burgos) de donde proceden.  Alberto decide dejar el grupo y se les une Juan, con el que la formación adquiere detalles de post-punk y  powerpop que enriquecen su amplio abanico de estilos. En 2016 su actividad se torna más constante,  tocando en varios festivales como Dolmen Music de Villarcayo, Espeleo Rock de Santelices, Tortilla Rock de Oña, Burgos, Trespaderne y consiguiendo el primer premio del concurso Pop-Rock Las Merindades.  

Logo

“Dispara” ve la luz en la primavera de 2017. Se grabó, mezcló y masterizó entre los meses de diciembre de 2016 a enero de 2017 en los estudios Checkpoint por Jaime Recio. Colaboró Claudia Costa tocando el violín en “Ya no me ves”.  El diseño gráfico es de Ion Velasco, y la fotografía de Vicente Gómez más Jony Arnaiz, incluido un dibujo de un corazón a cargo de Juan Riscado. 

Las canciones 

El disco se abre con “Un bonito regalo”, canción repleta de buenas ideas con una descomunal entrada de guitarras rugientes que derivan en un tema furioso con melodía hiriente con la que “celebraremos nuestra amistad y la falsedad”. Un tic tac que no debes abrir todavía “porque no quiero estallar”. Le sucede “Te buscaré”, otra andanada de guitarra y bajo más batería con recursos de oscuro hard rock trenzados con un despliegue de riffs de rock y actitud punk. “Morir no me da miedo, mi amor. No soy un ser inmortal. Mi gran miedo es pensar en  que no te volveré a ver”. Incluyen un ágil solo de guitarra acompañado por una rítmica penetrante. A continuación nos ofrecen “Empiezas a arder”, un tema sugerente con recursos de emergente  pop poderoso para explicarnos unos momentos cargados de sexualidad con imágenes resueltas de forma genial con frases como “encima de mi cuerpo cabalgas muy bien, tu eres mi amazona, yo soy tu corcel…nunca queda un centímetro por explorar, somos perfectas máquinas de amar”.  

  

La Banda Magnética

Le sigue “Dispara a mi corazón”, con más riffs persistentes, “sin miedo a matar”. Fraseos envolventes para “reventar gasolineras” con vistas a realizar alguna visita al banco del pueblo. Melodía bien resuelta con un convincente estribillo, interpretada por una buena voz y una minuciosa sección rítmica, que se completa con buen solo de guitarra dura.   

Continuamos con “Micky Mouse”, una crítica a la falsa moral que “me hace vomitar” en una desastrosa relación personal. “Tu cola de ratón delata tu condición, tanta falsa bondad me hace estallar”. Un tema que destaca por su consistente bajo y esa mezcla original de los recursos de un rock duro con detalles “garajeros” y de post punk. Llegamos de este modo al meridiano del disco con “Ya no me ves” que arranca con tenebrosas guitarras que se completan con una concepción rítmica oscura y poderosa mediante la que nos dicen: “me quedan tantas cosas por aprender, la más importante saberte escuchar…pasas cerca de mí y no me ves, no soy un fantasma”. A mencionar la gran aportación del violín dotando al tema de una dosis lisérgica muy enriquecedora.      

Triunfando en directo

Con “Quiero volar” nos ofrecen otras situaciones sexuales explícitas  del tipo “mi desnudez te incita a amarnos otra vez…acaríciame, muérdeme, házmelo otra vez”.  De nuevo nos absorben con una sustanciosa exhibición de  rock and roll con riffs afilados que se completan con buenas voces y una secuencia rítmica que incita al baile. No falta un ácido solo de guitarra que pone de manifiesto la habilidad  de su responsable. Mediante “Tu calor”, inciden en que “me duele el corazón. Vomito en un rincón, sangre y rock and roll. Es tu calor en mi cama que no me deja despertar”. Los recursos musicales proceden de un  punk aguerrido a base de movimientos marcados, acordes que distorsionan la melodía, con solo incluido de eléctrica, que va a “lamerte y morderte” de principio a fin.   

El siguiente corte se pregunta “¿Soy feliz?”. Otro gran tema en el que el protagonista juega “a ser un valiente guerrero que jura salvarte, destrozaré a tus enemigos”.  Arranca con marcado ritmo de batería al que se añade un suculento riff de guitarra eléctrica que, con la aportación del bajo, explotan en un magnífico tema ardiente y, sin lugar a dudas, valeroso. Tras un fascinante cambio de tempo que ralentiza el ritmo, se crecen para recuperar la enérgica descarga inicial  en la que nos topamos con otro movimiento solista de su guitarrista en plena forma.    

La Banda Magnétics. Foto de su facebook

Vamos terminando  con “La próxima curva”, un tema de reflexión personal: “llevos años andando y no veo el final. Mi cuerpo sudoroso pide un stop. A ver si en la próxima curva me detienes tu”.  Sensacional distribución instrumental con acordes cortantes sobre los que tejen fraseos galopantes en los que los tres componentes de este poderoso trío se lucen con extraordinaria versatilidad. La penúltima canción se llama “Alguien me ha robado”, un tema curioso en el que inciden en su habilidad de intensificar sonoridades pop con arreglos fogosos que van a convencerte. El protagonista anda preocupado, o quizá no, porque alguien le ha robado a su chica en el bar y “nadie sabe quién puede ser. Me será difícil buscar a alguien que se deje querer”.  Termina el álbum con “No me apagues la luz”, la última de las excelencias de esta banda burgalesa capaz de generar impulsos guitarreros que heredan la fuerza del hard rock con detalles de punk setentero para dar forma salvaje a melodías penetrantes dispuestas a muy buen ritmo para iluminar su trayectoria al tiempo que disipan esos “fantasmas miedos en la oscuridad”.    

Reflexión final 

La Banda Magnética. Foto de su facebook

Parafraseando un verso de una de sus canciones llamada “La próxima curva”,  podemos afirmar que “canción a canción vamos sumando a su historial” un amplio abanico de temas bien definidos mediante un amplio abanico de referencias en los que, muy probablemente, se manifiestan las influencias de los tres y excelentes músicos que integran este poderoso trío. Con especial incidencia en reafirmar una cautivadora concepción melódica, arropada por andanadas de guitarra bien compenetrada con bajo y batería más voz principal, los disparos certeros de la Banda Magnética nos descubren a una formación que mantiene firme el vuelo con seguridad y buen criterio mediante este segundo álbum bien trabajado con resultados arrebatadores. Por ello, y siguiendo con otro de sus versos nada desdeñables, a “los grupos buenos da gusto reseñar, en los mediocres, ni nos fijamos al pasar”.     

Nota: Te invitamos a  visionar y oir un videoclip de "Un bonito regalo", tema con el que abren su Cd.

Cita ineludible de los amantes del instro rock con los Supertubos y su disco más ecléctico, “Rendezvous”

Portada

Si nos fijamos en las impactantes y reveladoras portadas de los discos de los Supertubos, banda cántabra de rock instrumental, nos daremos cuenta de que todas ellas reproducen algún  tipo de empresa que implica tesón y esfuerzo constante, incluso arriesgado si nos atenemos a los dos últimas. De la extracción de petróleo en la primera entrega pasamos por la gran tormenta que azota la goleta rusa Deméter del Conde Drácula en el segundo disco, para llegar a la ascensión por esa cordillera montañosa majestuosa del tercer álbum: un sensacional Lp que lleva por título genérico “Rendezvous” más el subtítulo de “Instrumental chronicles. New recorded edition of an unknown classic”.  El disco ha sido editado este 2017 en vinilo por los sellos Los Pedros Recordings, Roctopus Tea Party Records, y Ola Records, filial de H-records. También ha salido al mercado en Cd a cargo de Sharawaji Records.  Grabado en directo, con un sonido espectacular, contiene  ocho temas propios más dos admirables versiones del “Built For Speed” de Brian Setzer de los Stray Cats y “El Salvador” de Billy Childish con The Milkshakes.  El fruto es una trabajo ecléctico, altamente enriquecedor y novedoso; sin duda el mejor de sus discos, que abre su abanico referencial surfeando más allá de los sonidos tradicionales entre una amalgama de estilos como la bossa nova, la psicodelia, el beat, el rockabilly, o el western que expanden con naturalidad y sentimiento un proyecto propio valiente y sin duda, decisivo. La cita con los Supertubos y su nuevo álbum se nos antoja absolutamente ineludible para todo aquel amante del rock and roll que guste de experimentar placeres nuevos y sorprendentes.  

Trayectoria

Supertubos

Los Supertubos son un grupo de rock instrumental formado en Reinosa (Cantabria) a mediados de 2006 tras la disolución de una banda de “surfabilly” llamada Sinclairs. Su nombre procede de los potentes amplificadores de tubos o válvulas. Ellos son actualmente Ricardo Álvarez “Richie” a la guitarra, theremin, guitarra barítono y coros; Iñigo Crespo “Pony” al contrabajo, bajo eléctrico y coros;  Eduardo Marco “Teo” a la guitarra, coros y percusiones, y Javi Arias a la batería, coros y percusión. Anteriormente habñia tocado el bajo Raúl Herrero "de la Cruz"  “Chino”.

En 2007 graban un primer Ep de cinco canciones titulado como los estudios donde le dan forma, Drive Division, donde vuelven en 2010 para acabar de perfilar el que es su primer Lp con el título de “La fórmula Papini”. Se trata de un disco con diez temas, ocho originales y dos versiones de la banda sonora de James Bond y “The Trial” de los hermanos Good de los Sadies.  Colabora en la grabación Alex "Pis" al Hammond y Theremin. Fue editado en vinilo verde por Los Pedros Recordings.  Su siguiente trabajo es un mini álbum titulado “The Demeter” (+ Info) que lo sacó Action Weekend Records en 2014. Contiene tres temas propios y una versión “Expo 2000” del productor y compositor Richard Podolor aka Richie Allen. Se graba y mezcla en Guitar Town  por Hendrik Roever. Colaboró Jorge Stereo con el sintetizador en dos de los temas. 

“Rendezvous” se graba y mezcla entre julio y octubre de 2016 en Moon River Studio” en directo en formato analógico por Fernando Macaya. Se masteriza en noviembre de ese año por Ibon Larrueza en Euridia Studios. Las fotografías incluidas son de Javier Arias y Jesús Briñas, y el concepto más diseño de Aitor Ochoa.  

Las canciones

Supertubos

El disco empieza con “la Bossa Nostra”, sensacional apertura con ritmo de bossa nova mutado a los parámetros del rock and roll. Guitarras crepitando con profundidad, solos elegantes, cautivadores fraseos con segundas voces, y ritmos marcados con presteza entre suculentos cambios de tempo, conforman un tema que te emocionará de principio a fin. Sigue con “White Trash”, otra exquisitez con golpes de efecto que nos atrapan con su desarrollo ágil de western elegante, fiero, con presencia de contrabajo y batería meticulosos, y guitarras sensacionales. Una canción que no desentonaría ni un ápice entre lo mejor de los Sadies.  Incluyen esos gritos primitivos sobre los que, muy probablemente, encontrarás alguna que otra explicación en tan explícito título.  

Supertubos

A continuación nos ofrecen “El Salvador”, versión del tema de Billy Childish con The Milkshakes que fue editado en el disco “After School Session” (1983). El trabajo de adaptación realizado por los Supertubos es excelente. Mantienen los elementos latinos del original, aportando algunas filigranas propias, aumentando las revoluciones del tempo para conseguir un corte compacto que invita al baile desenfrenado. Acaba la cara con “Espectro de Brocken”, tema misterioso con melodía muy beat, elegante, sensual, envolvente, a base de sensacionales guitarras aportando solos, punteos y acordes que juntos producen un efecto antológico. Mención también para esa templada sección rítmica en muy buena forma.   

Supertubos

La cara B se abre con “Enemigos de la arena”, brillante ejercicio de rock and roll para degustar en la playa dotado con los mejores ingredientes del género a base de guitarras bien compenetradas, con movimientos diestros, arropadas por una rítmica impoluta y un manto sideral de teclado procurando efectos lisérgicos. El siguiente corte es “Miami Mendoza”, canción que cuenta también con ese omnipresente órgano que tamiza los brillantes solos de guitarra de detalles ácidos. La mezcla es poderosa e incluye algún que otro pase aflamencado que aporta, entre palmas, una variedad suculenta de diferentes puntos de vista muy bien pespunteados.        

Supertubos

Le sucede “Built For Speed”, tema de Brian Setzer que apareció en el primer disco de los Stray Cats editado en 1982 en los Estados Unidos y que  recogía temas de sus dos primeros álbumes que salieron en Inglaterra más la que le daba título que por entonces era inédita. Aquí, el contrabajista hace una brutal exhibición de la técnica del slap bass sobre la que el resto de los componentes interpretan la melodía principal con una seguridad pasmosa dando forma a una sensacional versión de este conocido tema de rockabilly. Finaliza el álbum con “Il Ragazzo di Pernile”, la última de las exquisiteces de este trabajo tan detallista en la que los componentes de los Supertubos nos embelesan mediante un tempo calmado repleto de matices psicodélicos desenvueltos entre un curioso ritmo a medio camino entre el blues y western con florituras de guitarra conmovedoras, aportaciones geniales de teclados, vibratos arrebatadores de mandolina, ecos sublimes, y en conjunto una exuberante demostración de talento que crece, coge fuerza y desemboca en un final con detalles de country salvaje con ligera aportación de banjo.         

Reflexión final

Supertubos 

La portada montañosa del nuevo disco de los Supertubos puede estar perfectamente relacionada con uno de los temas que se incluyen, quizá el más enigmático y sensual de todos ellos: “Espectro de Brocken”. Como bien sabrás, y en especial si eres montañero, se trata de una ilusión óptica producida cuando el sol bajo, generalmente al amanecer o al ocaso, proyecta una sombra fantasmal y amplificada rodeada de una aureola perturbadora que te deja estupefacto. Y así es exactamente cómo te vas a quedar después de oír no solo ésta, sino todas y cada una de las magníficas canciones de este fantástico álbum. Al igual que el fenómeno descrito, la música de los Supertubos también genera una particular aura que va a envolverte con las raíces del mejor surf and roll aunque, eso sí, con múltiples partículas de otros estilos que, al ser tratadas con la destreza e imaginación de estos cántabros, dan pie al devenir de una historia mucho más ecléctica si cabe. Si en el siglo XVIII, en los bosques europeos, la leyenda decía que en realidad se trataba de un gigante que aterrorizaba a los lugareños, en estos albores del siglo XXI, la sombra que se proyecta no es otra que la de un gran grupo de rock instrumental que envuelve al oyente con canciones excelentes, variadas y repletas de detalles creativos de una gran calidad instrumental.  

Nota: Puedes escuchar las canciones y adquitir una copia del disco en el bandcamp de la banda,
H-records y Roctopus Tea Party Records.