Resumo em Português:

Resumo A pesquisa que deu origem a este artigo abrangeu uma manifestação popular típica da cidade de Belém, capital do estado do Pará (norte do Brasil, Amazônia Oriental), denominada Pássaro Junino. Trata-se de um teatro popular secular inspirado na tradição operística da Belle Époque cultivada ao longo do século XIX. Já no século seguinte, após período de popularidade, a manifestação vivenciou situações de mudanças culturais e musicais relacionadas à sua pretensa invisibilidade na cena cultural local. Buscou-se compreender quais teriam sido essas mudanças que impactaram o Pássaro Junino e por que ocorreriam, considerando não apenas esse contexto de invisibilidade, mas também políticas e ações culturais relacionadas tanto ao recrudescimento de uma tradição provavelmente silenciada quanto à sua preservação e eternização. O trabalho alinha-se ao campo da etnomusicologia, em especial, assim como dialoga com autores da antropologia, das ciências sociais, da estética, das artes cênicas, da história, da educação e dos estudos culturais. Incluiu extenso trabalho de campo, do tipo observação-participante, de 2017 a 2019.

Resumo em Inglês:

Abstract This article explores the Pássaro Junino, a popular manifestation typical of the city of Belém, the capital of Pará State in the Eastern Amazon region of Northern Brazil. It is a secular popular theater inspired by the Belle Époque opera tradition cultivated throughout the nineteenth century. In the following century, after a period of popularity, the Pássaro Junino experienced cultural and musical changes related to its presumed invisibility in the local cultural scene. We sought to understand these changes that impacted the Pássaro Junino and why they occurred, considering not only this context of invisibility but also cultural policies and actions related to both the resurgence of a tradition likely silenced and its preservation and perpetuation. The work aligns with the field of Ethnomusicology, in particular, and also engages with authors from Anthropology, Social Sciences, Aesthetics, Performing Arts, History, Education, and Cultural Studies. It involved extensive fieldwork characterized by participant observation, conducted from 2017 to 2019.

Resumo em Português:

Resumo São apresentadas neste artigo algumas considerações acerca da inserção de elementos relacionados ao universo do trompete popular no ensino público superior. Para tanto, buscou-se identificar as principais abordagens de ensino utilizadas e averiguar se aspectos pertinentes à música popular são (efetivamente) contemplados por docentes do trompete em cursos de bacharelado e/ou licenciatura no país. Por meio de um questionário endereçado a 17 professores, verificou-se que o ensino desse instrumento nas instituições investigadas tem sido realizado, sobretudo, sob a perspectiva do desenvolvimento de habilidades técnico-interpretativas para a execução de repertório da música de concerto. Verificou-se que uma considerável parcela dos professores entrevistados flexibiliza o conteúdo de trabalho propondo, de forma sucinta, elementos pertinentes ao jazz e alguns segmentos compreendidos na música popular realizada no Brasil. Entretanto, foi constatado que, nos cursos e instituições pesquisados, as abordagens utilizadas ainda são insuficientes para o ensino desse segmento de repertório ao trompete. Tendo em vista as referidas constatações, coube aos autores conjecturar razões para a existência de tal fenômeno, apresentar reflexões e sugerir possibilidades para a adequação do ensino e aprendizagem do trompete em nível superior tendo a música popular como premissa de trabalho.

Resumo em Inglês:

Abstract This article explores the integration of elements from the realm of popular trumpet within Brazilian public universities. To this end, we examined the primary teaching approaches and assessed whether relevant aspects of Popular Music are adequately addressed by trumpet teachers in bachelor’s programs in music and music education throughout the country. Through a questionnaire distributed to seventeen trumpet teachers, it was revealed that the instruction of this instrument within the institutions investigated primarily revolves around developing technical and interpretative skills for performing concert music repertoire. It was observed that a significant number of the interviewed teachers demonstrate flexibility in their approach, succinctly introducing elements relevant to jazz and various genres of Brazilian popular music. However, it was found that the approaches used in the researched degree programs are still insufficient for teaching this specific segment of trumpet repertoire in the institutions investigated. Considering these findings, it prompted the authors to speculate about the possible reasons behind this phenomenon. Additionally, they offer reflections, and propose ways to adapt trumpet teaching and learning at a higher level, with a focus on popular music as a working premise.

Resumo em Português:

Resumo Este texto pretende trazer um olhar contextualizador sobre La iniciación musical del niño, obra de Violeta Hemsy de Gainza. Posto isso, este trabalho tem como objetivo: 1) problematizar a inserção da criança, do professor, do método e da aula no processo de iniciação musical; 2) reconhecer as contribuições da obra La iniciación musical del niño para a construção de um design didático; 3) demonstrar nas bases epistemológicas e propostas práticas a atemporalidade didática de La iniciación musical del niño (1964). Trata-se de um ensaio dissertativo que procura refletir criticamente sobre alguns temas tratados por Gainza na obra citada: (a) criança, (b) professor, (c) método e (d) aula de música. Os temas propostos pela autora nos conduzem a reinterpretá-los e incorporá-los em nossa atuação em sala de aula. É possível emergir, por meio da fusão entre a criança, o professor, o método e a aula, um design didático atemporal.

Resumo em Inglês:

Abstract This text aims to provide a contextualized perspective on "La iniciación musical del niño", a work by Violeta Hemsy de Gainza. Accordingly, this study seeks to: 1) Discuss the inclusion of the child, the teacher, the method, and the lesson within the musical initiation process; 2) Recognize the contributions of the work La iniciación musical del niño to the construction of a didactic design; 3) Demonstrate the timeless didactic nature of La iniciación musical del niño (1964) based on its epistemological foundations and practical proposals. This is a discursive essay that critically reflects on certain themes addressed by Gainza in the mentioned work: (a) the child; (b) the teacher; (c) the method and (d) the music lesson. The themes proposed by the author invite reinterpretation and incorporation into our classroom practices. Through the fusion of the child, the teacher, the method, and the lesson, it is possible to develop a timeless didactic design.

Resumo em Espanhol:

Resumen La música y la danza como actividades artísticas funcionan muchas veces como elementos de integración en las aulas. Así, el presente trabajo hace una revisión bibliográfica de música danza e inclusión de los últimos 14 años. Para ello, se han cogido bases de datos de Web of Science con unas palabras clave determinadas. No se ha excluido ningún tipo de inclusión, es decir, se han valorado todas aquellas que tuvieran relación con la música, de tal manera, se han encontrado trabajos relacionados con la inclusión social, educativa, cultural o laboral. Con respecto a los colectivos, las palabras clave ya acotan de algún modo los perfiles, focalizados en todo momento en la educación. Según nuestra división y en estrecha relación con los objetivos de este trabajo, se encuentran seis temáticas diferenciadas, las cuales serán analizadas en este trabajo. Además, los resultados muestran que la relación entre música y danza e inclusión social es un tema de actualidad. Por último, se encuentra necesaria una mayor investigación en el campo, en donde se planteen un mayor número de propuestas en más colectivos.

Resumo em Inglês:

Abstract Music and dance, as artistic activities, often function as elements of integration within the classroom. Thus, this paper presents a literature review on music, dance, and inclusion over the last 14 years. For this purpose, Web of Science databases were used with specific keywords. No form of inclusion was excluded—that is, all instances related to music were taken into consideration. As a result, studies addressing social, educational, cultural, or labor inclusion were identified. Regarding target populations, the keywords helped narrow the scope, maintaining a constant focus on education. According to our classification and closely aligned with the objectives of this study, six distinct thematic categories were identified and will be analyzed in this paper. The results also indicate that the relationship between music, dance, and social inclusion remains a relevant topic. Finally, the findings point to the need for further research in this field, with more proposals aimed at a wider range of groups.

Resumo em Português:

Resumo O presente estudo tem como objetivo explorar os caminhos percorridos pelo maracatu ao adentrar as indústrias fonográficas brasileira e portuguesa, a partir do início do século XX, tomando como objeto a canção Eh Uá Calunga (1937), de Capiba. Metodologicamente, a pesquisa baseou-se em análise de arquivos sonoros, como os do Instituto Moreira Salles e do YouTube, e em fontes históricas, incluindo a Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional. Os resultados apontam para um reprocessamento da temática da colonização através do banzo, sentimento de melancolia profunda experimentada pelos escravizados. Nesse sentido, as análises poética e musical da canção sugerem um contraste com o imaginário festivo normalmente associado à música afrodiaspórica, sublinhando o caráter violento da exploração colonial e da migração e trabalhos forçados pela escravidão. Concluímos que, tanto na versão original quanto na adaptação em fado por Amália Rodrigues, a obra tensiona os marcadores de identidade cultural e evidencia a complexidade do trânsito transatlântico, realçando críticas à violência colonial e às dinâmicas de apropriação cultural.

Resumo em Inglês:

Abstract This study aims to explore the paths taken by maracatu as it entered the recording industry in Brazil and Portugal from the early 20th century onward, focusing on the song Eh Uá Calunga (1937) by Capiba. Methodologically, the research is based on the analysis of sound archives, such as those from the Instituto Moreira Salles (São Paulo) and YouTube, as well as historical sources, including the Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional (Rio de Janeiro) [Digital Newspaper Archive of the National Library]. The findings indicate a musical reprocessing of the theme of colonization through banzo, a deep melancholy experienced by the enslaved. In this sense, the poetic and musical analysis of the song suggests a contrast with the festive imagery typically associated with Afro-diasporic music, highlighting the violent nature of colonial exploitation, migration, and forced labor under slavery. We conclude that, both in its original version and in its adaptation as a fado by Amália Rodrigues, the work challenges cultural identity markers and reveals the complexity of transatlantic circulation, underscoring critiques of colonial violence and the dynamics of cultural appropriation.

Resumo em Português:

Resumo A crítica cultural em torno das músicas populares veiculada pela imprensa periódica paulistana entre 1930 e 1960 ainda é pouco conhecida. Diferente da capital do país, que nessa época construiu certa tradição nos jornais diários e possibilitou o aparecimento de estudiosos e analistas das músicas urbanas, na cidade de São Paulo, os rumos seguiram outras direções. De modo geral, após 1945, essa crítica e os estudos da nova cultura sonora se ampliaram e gradativamente alcançaram reconhecimento cultural, sobretudo na imprensa periódica e na especializada, que também passavam por importantes mudanças no período. Neste panorama, a discussão em São Paulo seguiu uma dinâmica muito própria, mantendo-se de diversos modos influenciada por teorias e práticas produzidas sob orientação de Mário de Andrade e instituições vinculadas a ele. Este artigo procura examinar, em parte da grande imprensa, associada a um determinado circuito cultural paulistano, alguns dos rumos e aspectos dessa produção intelectual e como ela circulou, quais seus lugares de produção, suas disputas, alguns de seus profissionais, os temas desenvolvidos, as características construídas, os interesses regionais contidos e, principalmente, como ela criou, durante certo tempo, alguns obstáculos para o aparecimento de uma crítica mais interessada nas músicas que circulavam no universo do entretenimento e nos modernos meios de comunicação.

Resumo em Inglês:

Criticism of popular music as published in São Paulo’s periodicals between 1930 and 1960 remains little known. Unlike the nation’s capital, which at that time developed a tradition in daily newspapers and fostered the emergence of scholars and analysts of urban music, São Paulo followed different paths. In general, after 1945, both this criticism and studies on new sound culture expanded and gradually gained cultural recognition, especially in the periodical and specialized press, which was also undergoing significant changes during this period. Within this landscape, discussions in São Paulo followed a distinct dynamic, remaining in various ways influenced by theories and practices shaped under the guidance of Mário de Andrade and the institutions associated with him. This article seeks to examine part of the mainstream press linked to a specific cultural circuit in São Paulo, exploring the directions and aspects of this intellectual production—how it circulated, its places of production, its disputes, some of its key figures, the themes developed, the characteristics constructed, and the regional interests involved. Most importantly, it analyzes how, for a certain period, this intellectual environment created obstacles to the emergence of a form of criticism more engaged with the music circulating in the entertainment sphere and modern means of communication.

Resumo em Português:

Resumo Prática vocal estreitamente vinculada à bossa nova, o canto falado está entre os descritores estilísticos comumente acionados como aspecto inovador do gênero, um dos recursos a romper com a música popular precedente. Tomando parte das críticas musicais veiculadas na década de 1960 como inscrições literárias, este artigo se propõe a rastrear o processo de tonificação e estabilização deste juízo ao longo da interlocução ensejada pela prática emergente. A análise sugere que, longe da definição ostensiva geralmente aceita, o juízo em torno do canto falado na bossa nova foi resultado de uma definição performativa, operada também por dispositivos textuais que valoravam esteticamente a prática vocal a desancorando da música popular precedente. Com isso, procuro destacar parte do processo de construção social da música, operada através de agenciamentos articulando escuta, tecnologia de áudio e práticas interpretativas.

Resumo em Inglês:

Abstract A vocal practice closely linked with bossa nova , spoken singing is among the stylistic descriptors commonly cited as an innovative aspect of the genre, marking a break from earlier traditions of popular music. Drawing on musical critiques published in the 1960s as literary texts, this article explores how the perception of spoken singing was reinforced and stabilized through the discourse generated by the emerging practice. The analysis suggests that, rather than relying on a generally accepted explicit definition, the perception of spoken singing in bossa nova arose from a performative interpretation. This interpretation was further shaped by textual devices that aesthetically elevated the vocal practice, setting it apart from earlier forms of popular music. In doing so, I aim to highlight aspects of the social construction of music, carried out through agencies that connect listening, audio technology, and interpretive practices.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo traz um recorte de assuntos que abordo na minha tese de doutorado “Espaços de Mediação na pedagogia vocal do canto popular: um estudo etnográfico no Rio de Janeiro e em São Paulo”. Faço uma análise da construção de discursos sobre concepções estéticas envolvendo os cantos populares brasileiros, destacando ações históricas de mediadores que problematizaram questões subjacentes à tradição hegemônica do canto erudito ocidental no país, cujos reflexos se fazem presentes na contemporaneidade. A intenção é pensar caminhos para a valorização e adequação de pedagogias para os cantos populares brasileiros. As ações dos mediadores abordados são as do escritor, poeta, musicólogo e ensaísta Mário de Andrade, da cantora Elsie Houston, e as do cantor, radialista e produtor de programas radiofônicos Almirante. O referencial teórico se baseia na Teoria Ator-Rede (Latour, 2005), que entende que “mediação” corresponde a agenciamento, comunicação, transformação de actantes humanos e não humanos que constituem “espaços-rede” dinâmicos, pois estão em constante transformação, em movimentos associativos. Concluo que urge o empreendimento de projetos que criem metodologias de ensino de canto considerando a pluralidade estética contida nos cantos populares; que estimulem a reflexão crítica sobre a música popular brasileira; que fomentem Espaços de Mediação como os que vêm sendo criados pela PROCANTO, para o compartilhamento democrático de conhecimento; que estimulem a criação de disciplinas e cursos específicos de pedagogia vocal do canto popular nas universidades públicas de forma a contribuir para a democratização do acesso à formação do professor de canto para uma parcela maior da população brasileira.

Resumo em Inglês:

Abstract This article presents a selection of topics from my doctoral dissertation, " Espaços de Mediação na pedagogia vocal do canto popular: um estudo etnográfico no Rio de Janeiro e em São Paulo” [ Mediation Spaces in Vocal Pedagogy of Popular Singing: An Ethnographic Study in Rio de Janeiro and São Paulo ]. I analyze the construction of discourses on aesthetic concepts involving Brazilian popular songs, highlighting the historical actions of mediators who addressed underlying issues of the hegemonic tradition of Western classical singing in Brazil, whose influence persists today. The goal is to explore pathways for valuing and adapting pedagogies for Brazilian popular singing. The mediators discussed include the writer, poet, musicologist, and essayist Mário de Andrade; the singer Elsie Houston; and singer, radio host, and producer of radio programs Almirante. The theoretical framework is based on Actor-Network Theory (Latour, 2005), which posits that “mediation” corresponds to agency, communication, and the transformation of human and non-human actants, constituting dynamic “network-spaces” that are constantly evolving through associative movements. I conclude that there is an urgent need to undertake projects that develop methodologies for teaching singing that embrace the aesthetic plurality inherent in Brazilian popular song; encourage critical reflection on Brazilian popular music; foster Spaces of Mediation like those created by PROCANTO to promote democratic sharing of knowledge; and stimulate the creation of specific disciplines and courses in vocal pedagogy for popular singing at public universities. These initiatives would contribute to the democratization of access to vocal teacher education for a broader segment of the Brazilian population.

Resumo em Português:

Resumo O presente artigo teve por objetivo a constituição de um panorama sobre a voz cantada a partir dos conhecimentos recentes da vocologia. Para tanto, adotou-se como método a perspectiva da revisão narrativa. A produção vocal foi apresentada em quatro partes: o aparelho vocal, a respiração, a fonação e a articulação, abarcando os principais comportamentos vocais e seus correlatos fisiológicos, acústicos e fonéticos. Compreender esses três subsistemas vocais e suas interações, à luz do conhecimento contemporâneo da vocologia, pode possibilitar processos formativos cada vez mais qualificados na pedagogia vocal.

Resumo em Inglês:

Abstract This article offers an overview of the singing voice, drawing on recent advancements in vocology. Using the narrative review method, it presents vocal production in four parts: the vocal apparatus, breathing, phonation, and articulation. The discussion highlights key vocal behaviors and their physiological, acoustic, and phonetic correlates. Understanding these three vocal subsystems and their interactions, informed by contemporary vocological knowledge, can contribute to increasingly effective and advanced approaches in vocal training and pedagogy.

Resumo em Português:

Resumo A pesquisa tem como objetivo investigar formas de ensino-aprendizagem dos cantos de música popular brasileira da atualidade, examinando particularidades técnicas, estéticas e epistêmicas que envolvem o repertório, assim como seus processos de transmissão (Queiroz, 2010). A revisão de literatura promoveu um cruzamento das áreas de canto, educação musical e etnomusicologia. O referencial teórico utiliza conceitos como etnopedagogia (Dunbar-Hall, 2009), mundos musicais (Arroyo, 2002) e dinâmicas da tradição oral (Martins, 2003. Queiroz, 2017). As reflexões advindas do pensamento decolonial foram trazidas para discutir presenças e saberes não hegemônicos que compõem os cantos populares do Brasil, assim como para repensar dogmas e estruturas de violência simbólica existentes na pedagogia vocal. Foram elaboradas dez diretrizes para o ensino dos cantos de música popular brasileira (Valle, 2023) no intuito de auxiliar professores na implementação de práticas pedagógicas eficazes no âmbito do trabalho técnico do cantor, compromissadas com a diversidade cultural e com o reposicionamento e legitimação de vozes e histórias.

Resumo em Inglês:

Abstract This research aims to investigate teaching and learning methods for singing contemporary songs of Música Popular Brasileira (MPB), examining the technical, aesthetic, and epistemic particularities involved in the repertoire, as well as its transmission processes (Queiroz, 2010). The literature review intersected the fields of singing, music education, and ethnomusicology. The theoretical framework draws on concepts such as ethnopedagogy (Dunbar-Hall, 2009), musical worlds (Arroyo, 2002), and the dynamics of oral tradition (Martins, 2003. Queiroz, 2017). Reflections from decolonial thought are incorporated to discuss the presence of non-hegemonic knowledge within Brazil’s popular songs, as well as to reconsider dogmas and structures of symbolic violence existing in vocal pedagogy. Ten guidelines for teaching songs of Música Popular Brasileira (Valle, 2023) were developed to assist teachers in implementing effective pedagogical practices within the singer's technical training, with a commitment to cultural diversity, as well as the repositioning and legitimization of voices and stories.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo trata da pesquisa de mestrado em andamento, intitulada “A cena e o canto em sala de aula”, que pretende investigar uma abordagem indisciplinar e integrada do canto como componente de estudo vocal para atores e atrizes em formação. O conceito de indisciplinaridade parte de pressupostos apresentados junto à Teoria Corpomídia de Helena Katz e Christine Greiner, que pregam a abolição da ideia de disciplina, visando uma epistemologia do corpo que o compreenda como a matriz e o mediador da comunicação humana. Com base nestas premissas, bem como em levantamentos a respeito das atuais tendências pedagógicas no ensino de canto e apoiando-nos na concepção de laboratório como metodologia nas Artes Cênicas (Scialom, 2021), apresentamos, neste artigo, as propostas de dois laboratórios de voz para alunos de Bacharelado e Licenciatura de Artes Cênicas da Universidade de São Paulo. Constatamos, a partir da aplicação dos laboratórios, que este formato emerge como uma alternativa viável aos modelos tradicionalistas, fornecendo um ambiente indisciplinar que contempla a natureza biocultural e integrada do corpo e, portanto, do ser, contribuindo, assim, de maneira ampla para o campo da pedagogia vocal.

Resumo em Inglês:

Abstract This article addresses an ongoing master’s research project titled “The Scene and Singing in the Classroom”, which aims to investigate an indisciplinary and integrated approach to singing as a component of vocal study for actors and actresses in training. The concept of indisciplinarity is grounded in assumptions from the Corpomedia Theory by Helena Katz and Christine Greiner, which advocates for the abolition of the notion of discipline, aiming for an epistemology of the body that understands it as the matrix and mediator of human communication. Building on these premises, as well as inquiries into current trends in vocal pedagogy and the concept of the artistic laboratory as a methodology in Dramatic Arts (Scialom,2021), this article introduces two voice laboratory proposals for undergraduate and licensure students in Dramatic Arts at the University of São Paulo. The application of these laboratories suggests that this format emerges as a viable alternative to traditional models, fostering an indisciplinary environment that embraces the biocultural and integrated nature of the body and, consequently, the self. This contributes broadly to the field of vocal education.

Resumo em Português:

Resumo Este artigo investiga a relação entre técnica, naturalidade e individualidade no canto popular brasileiro, destacando como esses elementos são incorporados e reinterpretados pelos cantores em diferentes contextos estéticos. A pesquisa explora a origem etimológica da palavra “técnica” e revisita conceitos teóricos de Heidegger, Simondon e Sennett, aplicando-os à área da voz. A análise revela que, no canto popular brasileiro, a espontaneidade é frequentemente valorizada em detrimento da técnica aparente, resultando em uma “camuflagem” das habilidades vocais que, paradoxalmente, realça a individualidade e a expressividade dos intérpretes. Conclui-se que a técnica vocal no Brasil se desenvolve de maneira intuitiva e culturalmente moldada, contrastando com os modelos predefinidos de outros estilos de canto, o que contribui para a riqueza e diversidade do cenário musical brasileiro.

Resumo em Inglês:

Abstract This article investigates the relationship between technique, naturalness, and individuality in Brazilian popular singing, highlighting how these elements are incorporated and reinterpreted by singers in different aesthetic contexts. The research explores the etymological origin of the word "technique" and revisits theoretical concepts from Heidegger, Simondon, and Sennett, applying them to the field of voice. The analysis reveals that in Brazilian popular singing, spontaneity is often valued over apparent technique, resulting in a "camouflage" of vocal skills that paradoxically enhances the individuality and expressiveness of performers. It concludes that vocal technique in Brazil develops intuitively and is culturally shaped, contrasting with predefined models of other singing styles, contributing to the richness and diversity of the Brazilian musical landscape.

Resumo em Português:

Resumo O presente artigo descreve a pesquisa realizada no ano de 2019 no departamento de pós-graduação da Faculdade de Ciência e Educação do Caparaó (FACEC), em parceria com o Instituto Alpha (Vitória-ES). O objetivo foi o de experimentar um grupo de exercícios de aquecimento vocal, de duração de doze minutos, a ser realizado por cantores profissionais antes de shows, ensaios e gravações. Utilizamos o método de pesquisa qualitativa e, no caso desta investigação, os cantores executaram uma música antes do aquecimento vocal e a repetiram depois dele. Ao compararem as duas execuções, eles responderam se após o aquecimento vocal houve pouca melhora, muita melhora ou se foi indiferente. As respostas se deram em relação a dez parâmetros da qualidade vocal. A maioria das respostas (99,33%) foi positiva, demonstrando que o aquecimento vocal proposto, de doze minutos, foi efetivo.

Resumo em Inglês:

Abstract This article describes research conducted in 2019 in the graduate department of the Faculdade de Ciência e Educação do Caparaó (FACEC) [College of Science and Education of Caparaó], in partnership with the Instituto Alpha [Alpha Institute] in Vitória, Espírito Santo. The objective was to test a set of twelve-minute vocal warm-up exercises to be performed by professional singers before shows, rehearsals, and recordings. We adopted a qualitative research approach, and in this study, singers performed a song before the vocal warm-up and repeated it afterward. Upon comparing the two performances, they indicated whether the vocal warm-up resulted in little improvement, significant improvement, or no difference. The responses were based on ten vocal quality parameters. The majority of responses (99.33%) were positive, demonstrating that the proposed twelve-minute vocal warm-up was effective.

Resumo em Português:

Resumo Este trabalho apresenta um desdobramento de uma dissertação de mestrado cujo enfoque consistiu em problematizar as relações entre corpo e voz durante a performance musical do cantor popular. No recorte apresentado neste artigo, investigaram-se possíveis estratégias e procedimentos didáticos relacionados à construção de uma corporeidade que favoreça a elaboração da presença cênica durante a performance do cantor popular. Este estudo toma como referência teórica a cooperação de educadores musicais e pesquisadores da área do Teatro, os quais estabelecem relações entre a performance vocal e os regimes expressivos no âmbito do corpo a ela associado. Com enfoque qualitativo, a pesquisa tomou como substrato empírico a criação de um laboratório de estudos que culminou com a elaboração da oficina intitulada Corpo – Diálogos com a Presença Cênica, junto a interessados nessa temática, cuja atividade artística teve conexão com a prática do canto. As atividades foram feitas de forma virtual devido à pandemia da Covid-19. Os participantes expressaram de forma unânime que as atividades vivenciadas nos segmentos Consciência Corporal, Música, Teatro e Dança poderiam compor a dinâmica de uma aula de canto, como estímulo para o aprimoramento da presença cênica, envolvendo diversos aspectos, como a energia extracotidiana, a expressão facial, os gestos e os movimentos corporais em diferentes níveis, entre outros elementos. Essa reflexão almeja também estimular os professores de canto a buscarem em sua prática docente a inserção de atividades prático-teóricas que estimulem os alunos a obterem autonomia e organicidade em sua presença cênica durante uma performance musical.

Resumo em Inglês:

Abstract This paper presents the development of a master’s dissertation focused on examining the relationship between body and voice during the musical performance of popular singers. The section presented in this article investigates possible strategies and didactic procedures related to constructing a corporeality that enhances the development of stage presence during the performance of popular singers. This study draws on the theoretical contributions of music educators and researchers in the field of theater, who establish connections between vocal performance and expressive regimes associated with the body. Adopting a qualitative approach, the research was grounded in the creation of a study laboratory, culminating in the development of the workshop titled Body – Dialogues with Stage Presence . This workshop was aimed at individuals interested in the topic and whose artistic activity was connected to the practice of singing. The activities were conducted virtually due to the Covid-19 pandemic. Participants unanimously expressed that the activities experienced in the segments of Body Awareness, Music, Theater, and Dance could form part of the dynamics of a singing class, serving as a stimulus to enhance stage presence. These activities addressed various aspects, including heightened energy, facial expression, gestures, and body movements at different levels, among other elements. This reflection also aims to encourage vocal teachers to incorporate practical-theoretical activities into their teaching practice, promoting students’ autonomy and organic stage presence during musical performance.

Resumo em Espanhol:

Resumen Las Humanidades Digitales han obligado a repensar el objeto, los procesos y la transferencia de resultados de la Musicología. En el contexto hispano, una de las líneas de investigación que se ha beneficiado del cambio ontológico es la que indaga en la música procesional de la Semana Santa, particularmente de la andaluza, que asimismo ha cobrado un nuevo vigor gracias al auge de los estudios bandísticos en España. Este trabajo tiene por objetivo estudiar dicho corpus , indagando en la evolución historiográfica que ha experimentado a partir del análisis de las tres compilaciones bio-bibliográficas más relevantes para el particular. Los resultados obtenidos, que enmarcan un conjunto de aclaraciones terminológicas y técnicas, clarifican la evolución que han experimentado las principales realidades y prácticas metodológicas de la Musicología española relacionadas con la Semana Santa andaluza entre el último tercio del siglo XIX y la actualidad, evidenciando cómo las Humanidades Digitales han supuesto un salto cuantitativo y cualitativo en el estudio del repertorio bajo escrutinio.

Resumo em Inglês:

Abstract The Digital Humanities have led to a redefinition of the object, processes, and knowledge transfer in Musicology. In the Spanish context, research on Andalusian processional music associated with Holy Week is one of the areas that has benefited from these changes, as well as from the growing interest in wind band studies in Spain. This paper aims to examine this corpus by exploring its historiographical evolution through the three most relevant bio-bibliographical compilations on the subject. The results, which include a set of terminological and technical clarifications related to the field, shed light on the evolution of key developments and methodological approaches in Spanish musicology related to Andalusian Holy Week music, from the late 19th century to the present, and demonstrate how the Digital Humanities have contributed to both a quantitative and qualitative leap in the study of the repertoire under scrutiny.

Resumo em Português:

Resumo Um dos maiores expoentes da etnomusicologia francesa, Bernard Lortat-Jacob se notabilizou pelo estudo de uma ampla variedade de práticas musicais por meio da experimentação de diferentes métodos e formatos de pesquisa. Nesta entrevista, são discutidos a sua trajetória como pesquisador, os pressupostos estéticos e epistemológicos que nortearam sua obra e sua visão sobre a etnomusicologia na contemporaneidade.

Resumo em Inglês:

Abstract A leading figure in French ethnomusicology, Bernard Lortat-Jacob gained recognition for his study of a broad range of musical practices through experimenting with different research methods and formats. In this interview, we discuss his trajectory as a researcher, the aesthetic and epistemological assumptions that have guided his work, and his vision of ethnomusicology in contemporary times.

Resumo em Espanhol:

Resumen A principios de este siglo, los editores de un ambicioso y valioso proyecto editorial para conformar una enciclopedia contemporánea de América Latina y el Caribe desde las Ciencias Sociales me invitaron a preparar la “entrada” sobre “Música”. En este artículo quisiera compartir unos apuntes sobre las tendencias que considero sobresalientes en la música popular latinoamericana de las dos décadas siguientes. Muchos de los principales procesos examinados en el ensayo original siguen importando hoy en día. Su ausencia en el texto que sigue es para evitar repeticiones, no porque no se consideren pertinentes. En ese sentido, idealmente este ensayo debería leerse como epílogo o “puesta al día” de aquel. Es necesario aclarar también, que ambos siguiendo el espíritu de la enciclopedia, intentan examinar procesos latinoamericanos en su conjunto, lo que seguramente representa lagunas nacionales importantes, agudizada por limitaciones de fuentes y de conocimientos del autor respecto a algunas regiones.

Resumo em Inglês:

Abstract At the start of this century, the editors of an ambitious and valuable editorial project—a contemporary encyclopedia of Latin America and the Caribbean from the perspective of Social Sciences— invited me to contribute the “entry” on “Music”. In this article, I would like to share some notes on the trends I consider significant in Latin American popular music over the past two decades. Many of the main processes discussed in the original essay remain relevant today. Their omission in the text that follows is intended to avoid repetition, not because they are considered irrelevant. In that sense, this essay should ideally be read as an epilogue or an “update” to the original. It is also worth noting that, in keeping with the spirit of the encyclopedia, both essays seek to examine Latin American processes as a whole, which inevitably leaves notable national gaps, further compounded by the author's limited access to sources and knowledge of certain regions.