El clasicismo

La Escuela De Manheinn - La Figura
De stamiz
Visto desde la musicología, el mayor acontecimiento en el siglo XVIII es la
germana Escuela de Mannheim fundada por el virtuoso del violín Johann Stamitz.
Los miembros de la Escuela, no conformes con la delicada belleza melódica italiana,
especialmente napolitana, menos aún con el estilo galante francés, buscaban ideas
musicales libres y variadas de sonidos, además de henchidas de elocuentes formas
artísticas. No concebían a la música alemana en armonías y melodías lógicamente
estructuradas sino adecuadas al oído y a conductas y hábitos sociales.
 Lo dominante en la Escuela es el espíritu acentuadamente subjetivo, libre y sin
límites del ‘Sturm und Drang’, cual gravitaba enormemente en normas de escritura
para cameratas, conciertos, sonatas, sinfonías, instrumentos y óperas. Pero lo que
ha dado a la Escuela sello inconfundible y particular, tarea ciertamente importante,
es el estilo intermedio entre la música italiana y germana, las subjetivas
expresiones musicales, composiciones tendenciosamente románticas, rapsodias
emocionantes, la uniformidad en el cuidado del empleo uniforme del arco, la
primacía del violín sobre demás instrumentos, los detalles del fraseo, y el alto
grado de exactitud en la dirección orquestal.
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La Figura de Stamiz
Perteneció a una célebre familia de músicos checos, que ejercieron gran
influencia en la evolución del genero sinfonía en el siglo XVIII. Los miembros más
destacados de esta familia (a la que se conoce también con la forma alemana de
su apellido Steinmetz), fueron: Anton (1754-1809), hijo de Stamiz, quien compuso
y publicó sinfonías, conciertos para piano, para violín y para violoncello. Anton
Thaddäus (1721-1768), violoncellista y compositor hermano de Johann Wenzel.
 Se ordenó sacerdote y llegó a ocupar elevadas dignidades.
 Nació en Nemecky-Brod, Bohemia, en 1717 fue violinista virtuoso, director de
orquesta y compositor. Es considerado uno de los más destacados creadores del
estilo instrumental moderno, a quien se debió el desarrollo y rápido florecimiento
y fama de la Orquesta del Palacio de Mannheim, que puede considerarse con razón
la primera orquesta sinfónica. Destacó, ya muy joven como excelente violinista y
fue músico de cámara del Príncipe Elector del Palatinado.
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Junto con el compositor de música de cámara Franz Xavr Richter
abordó el problema de la reforma del estilo instrumental,
reforma que adoptaron casi inmediatamente grandes músicos
como Johann Cristian Bach, Boccherini y otros, a la vez que la
secundaban los grandes centros musicales de la época: Londres y
Paris. En cambio se tropezó con viva oposición en el norte de
Alemania. J.W.Stamitz tiene también gran importancia como
compositor. A pesar de que su vida fue bastante breve (40 años),
su producción fue extensa y de calidad. Entre sus obras se
pueden citar sinfonías, conciertos para violín, sonatas para violín
y para este instrumento y piano, una sonata en trío y muchas
otras obras. Murió en Mannheim en 1757.

Caracteristicas musicales del
clasicismmo
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En general, la música clásica es objetiva, contenida en las emociones, cortesana,
refinada, elegante; algo superficial, pero no pobre.
Formas. Perfección de las grandes formas y su estabilización. Estructura formal
clara y transparente.
Las formas instrumentales que desaparecen gradualmente son: suite, coral
orgánico, preludio, concerto grosso, fantasía, antigua cantata, toccata; la fuga
solo se practica esporádicamente.
Formas que sobreviven: variación ...., escasean los oratorios...
Formas nuevas:
Nace la moderna forma de sonata, procedente de la suite antigua, aplicada al trío,
cuarteto, sinfonía y sonata para un solo instrumento.
Incorpora la antigua obertura introducida de la opera a la música sinfónica
instrumental, dando origen así a la sinfonía moderna que culmina la escuela
vienesa.
El antiguo “concerto grosso” da paso a al concierto de un instrumento solista
acompañado de orquesta (violín, piano...) en la forma de sonata de tres
movimientos.
Melodía. Claridad y simplicidad melódicas. Frases melódicas nítidas y más cortas
regulares y cuadradas que en la época procedente (es corriente la frase de ocho
compases), las cuales se abren y cierran con ciertos reposos.
Incorpora en parte los característicos adornos del barroco. Su contorno melódico
deriva del acompañamiento armónico vertical.

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Estilo homofonico o vertical. El conjunto aparece como acompañamiento armónico
de una melodía o tema, al que las restantes voces están subordinadas.
Desaparece el antiguo bajo continuo.
Abandono de las formas contrapuntísticas que utiliza solo esporádicamente,
especialmente en los desarrollos temáticos.
Armonía transparente, no cromatizante; menos compleja que la de Bach; a base
de acordes sencillos. Los cambios armónicos relacionan gradualmente temas y
secciones en las formas mas variadas. Las disonancias resuelven
satisfactoriamente sin dejar sensación de aspereza.
Sentido tonal muy transparente, sin marcados cromatismos en sus melodías ni en
sus armonías.
Instrumentación y orquestación. La música instrumental es más importante que la
vocal.
Sientan las bases de la moderna orquestación.
Atención al colorido y sonoridad de cada uno de los instrumentos y a su
individualidad dentro de la orquesta.
La extensión de los instrumentos es aun reducida (generalmente evitan registros
extremos).
Los instrumentos que aun no son usuales en al orquesta clásica son: trombones,
tuba, flautines, corno inglés, clarinete bajo, contrafagot, arpa, celesta, platillos ,
xilofón...
Empieza a desarrollarse el piano, que nació a principios del siglo XVIII.

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Dinámica (matices y signos expresivos). Atención especial a los contrastes
expresivos (nunca bruscos a base de fuerte y piano y al uso del crescendo y
disminuendo, en vez de tratar de obtener ingeniosamente (como sucedió en el
Barroco) efectos expresivos, contrastando grupos de muchos y pocos
instrumentos (por ejemplo, la contraposición del tutti o de toda la orquesta al
concertino o pequeño grupo del concerto grosso).
Esta música no tiene aun los arrebatos ni apasionamientos del romanticismo, sino
que es mesurada, tranquila, sin buscos crescendos o disminuendos.
El ritmo es sencillo y reglar(cuadratura rítmica), con silencios intercalaos como
descansos contrastes entre temas y melodías; por regla general, guarda un
movimiento regular a través de una sección. En el acompañamiento del bajo es
frecuente el diseño a base de acordes de tres sonidos en forma sucesiva, que se
repiten como muestra rítmica (llamado “bajo de Alberti”, por atribuirse a éste su
introducción).
En ópera triunfa la reforma de Gluck.
La opera cómica y bufa rivaliza con la opera seria.
En general la opera, la misa y la cantata continúan su desarrollo, amoldados al
nuevo estilo.
La música religiosa adquiere menos desarrollo o predominio. Esta dominada
generalmente por el espíritu operístico e instrumental; por lo que parece mas bien
hecha para el concierto que para el culto.
La música de cámara comprende todas las obras escritas para un reducid numero
de instrumentos, que llevan generosamente la forma de la sonata: trío, cuarteto,
quinteto, serenata, divertimento, casación...
En música pura (especialmente la instrumental): No describe, no imita o significa
nada, sino que crea sensaciones.

La musica vocal en el clasicismo
(Opera)
Desde 1750 y 1800 se impuso notablemente el clasicismo. La música
clasicista es una música raciona, es decir, agradable y lejos de las
complejidades barrocas. La música del clasicismo tenia como principales
objetivos la claridad, el buen gusto, la proporción y la elegancia. En todo
el tiempo que duro el clasicismo se distinguen notablemente tres
músicos que vivieron en Viena y fueron los tres grandes del clasicismo;
Haydn, Mozart y Beethoven.
 Claridad melódica: Delante de la melodía barroca, que se desarrolla
seguidamente hasta el final de la pieza, el clasicismo presenta frases
melódicas cortas fácilmente reconocibles.
 Textura homofonica: Enfrente del contrapunto, que se considera pasado
de moda y tan solo se utiliza esporádicamente, y el bajo continuo
barroco, que desaparece, el clasicismo presenta texturas basadas en el
acompañamiento harmónico, es decir mediante acordes y una melodía
predominante.
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FRANZ JOSEPH HAYDN (1732-1809), compositor austriaco, una de las figuras
más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo (c. 1750-1820).De
origen humilde, nació el 31 de marzo de 1732 en Rohrau an der Keitha, cerca de
Viena. Era el mayor de los dos músicos hijos de un fabricante de ruedas. Algunos
suponen que era descendiente de croatas. Con ocho años entró en la escuela coral
de la Catedral de San Esteban, en Viena, donde recibió su única formación
académica. A los 17 años abandonó el coro y pasó varios años trabajando como
músico independiente. Estudió los tratados de contrapunto y recibió algunas
lecciones del prestigioso maestro de canto y compositor italiano Nicola Porpora.
En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, época en que compuso
sus primeros cuartetos para cuerda. En 1759 fue nombrado director musical del
conde Fernando Maximilian von Morzin. El año 1760 contrajo matrimonio con
Maria Anna Keller, unión que fracasó y de la que no hubo descendencia.

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LUDWIG VAN BEETHOVEN(1770-1827):Nació en Bonn el 16 de diciembre de
1770. Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades
aunque excesivamente rígido. Sus primeros brotes de talento musical fueron
dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre, que era tenor en la
capilla de la corte. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la
corte para mantener a su familia. Sus primeras obras bajo la tutela del
compositor alemán Christian Gottlob Neefe, especialmente la cantata fúnebre
por la muerte del emperador José II, mostraban ya una gran inteligencia, y se
pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang
Amadeus Mozart. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo que estos planes no
pudieran realizarse, Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con
el compositor austriaco Joseph Haydn.

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WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756-1791): Nació el 27 de enero de
1756 en Salzburgo, y lo bautizaron con el nombre de Johannes
Chrysostomus Wolfgang Amadeus Mozart. Estudió con Leopold Mozart,
su padre, conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta
de la corte del arzobispo de Salzburgo. A los seis años Mozart era ya
interprete avanzado de instrumentos de tecla y eficaz violinista, a la
vez que hacía gala de una extraordinaria capacidad para la improvisación
y la lectura de partituras. En 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de
gira por las cortes de Europa. Durante este periodo compuso sonatas,
tanto para clave como para violín (1763), una sinfonía (1764), un oratorio
(1766) y la ópera cómica La finta semplice (1768). En 1769 fue
nombrado Konzertmeister del arzobispado de Salzburgo, y en La Scala
de Milán el Papa le hizo caballero de la Orden de la Espuela Dorada. Ese
mismo año compuso Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de
ópera alemana con partes recitadas). Al año siguiente le encargaron
escribir su primera gran ópera, Mitrídates, rey del Ponto (1770),
compuesta en Milán. Con esta obra su reputación como músico se afianzó
todavía más.

Formas musicales

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Sonata: (del italiano suonare, 'sonar'), composición musical para uno o más
instrumentos. Por una parte, el término forma sonata se refiere a la estructura
musical de los primeros movimientos de las sonatas y de los géneros relacionados
con ella en los siglos XVIII y XIX. Pero también desde mediados del siglo XVIII,
el término sonata ha sido utilizado generalmente para las obras de tres o cuatro
movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano
(solista) o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado). Se
suelen usar términos distintos al de sonata en obras que presentan la misma
disposición pero que están compuestas para otras combinaciones instrumentales;
por ejemplo, la sonata para orquesta se llama sinfonía, la sonata para un
instrumento solista se llama concierto, y la sonata para cuarteto de cuerdas se
llama cuarteto de cuerdas.

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Sinfonía: (del griego, syn, 'juntos'; phone, 'sonido'), en música, composición
orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas
movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por
primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de formas como la
cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la 'Sinfonía pastoral' del
oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido
moderno surge a comienzos del siglo XVIII.

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Concierto: durante el clasicismo, el concierto creció aún más. Su estructura era
el reflejo de un compromiso con la forma tradicional del ritornello, en un alarde
de virtuosismo, así como de las nuevas formas y estilos desarrollados con la
sinfonía. Los primeros movimientos se construían como una variante del ritornello.
Tanto éste como la primera sección solista se parecían a la sección de la
exposición del primer movimiento de una sinfonía. El resto del movimiento
también seguía un desarrollo similar al primer movimiento de una sinfonía, pero
con el solista y la orquesta tocando juntos o de forma alternada. El movimiento
final era generalmente un rondó con una especie de estribillo recurrente. Los
movimientos lentos quedaban menos determinados en su forma. Al igual que las
sinfonías, los conciertos se convirtieron en obras grandes, con una personalidad
propia y distintiva, que se interpretaban en salas de concierto públicas, delante
de una gran audiencia.
Composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más
instrumentos solistas acompañados por una orquesta. El nombre de concerto
unido a la música se utilizó por vez primera en Italia en el siglo XVI, pero no se
hizo habitual hasta alrededor de 1600 al comienzo del barroco. Al principio, el
concierto y su adjetivo relacionado, concertato, hacían referencia a una mezcla
de colores tonales instrumentales, vocales, o mixtos. Se aplicaban a una amplia
variedad de piezas sagradas o profanas que utilizaban un grupo mixto de
instrumentos, cantantes o de ambos. Este grupo podía ser tratado bien como un
conjunto mixto unificado, bien como un conjunto de sonidos opuestos unos a
otros. Este estilo concertante fue desarrollado especialmente por el compositor
italiano Claudio Monteverdi, especialmente en sus libros de madrigales quinto a
octavo (1605-1638). Influido parcialmente por Monteverdi, el compositor alemán
Heinrich Schütz aplicó el nuevo estilo a sus trabajos sacros en alemán. Este
concepto siguió vigente hasta el siglo XVIII, como puede apreciarse en las
muchas cantatas sacras de Johann Sebastian Bach que llevan el título de
concertos.

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Cuarteto: como su nombre lo indica es una composición escrita para
cuatro instrumentos. El denominado “cuarteto clásico” está formado
por: violines primero y segundo, viola y violoncello.
Pueden existir cuartetos para otros instrumentos. Cuando esto ocurre
se especifican los instrumentos a los cuales está dedicado el cuarteto.
La estructura es idéntica a la de la sonata o la sinfonía. Consta por lo
tanto de cuatro movimientos.
ALLEGRO con forma-sonata
ANDANTE o ADAGIO
MINUÉ o SCHERZO
ALLEGRO con forma-rondó

Vida y obras de Mozart
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Compositor austríaco nacido en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Sus
prodigiosas dotes musicales fueron pronto observadas por su padre, Leopold, que
decidió educarlo y, simultáneamente, exhibirlo (conjuntamente con la hermana
grande Nannerl --Maria Anna--) como fuente de ingresos. A la edad de seis años,
Mozart ya era un intèrprete avanzado de instrumentos de tecla y un eficaz
violinista, al mismo tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para la
improvisación y la lectura de partituras. Aún hoy en día se interpretan cinco
pequeñas piezas para piano que compuso a aquella edad.
El año 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes europeas.
Primeramente a Munich y a Viena y, en 1763 los Mozart emprendieron un largo
viaje de tres años y medio que supuso para el pequeño Wolfgang valiosas
experiencias: conoció la cèlebre orquesta y el estilo de Mannheim, la música
francesa en París, y el estilo galante de J.Ch. Bach en Londres. Durante este
periodo escribió sonatas, tanto para piano como para violín (1763) y una sinfonía
(K.16, 1764).
El año 1769, con 13 años, era nombrado Konzertmeister del arzobispado de su
ciudad.
De los años inmediatamente posteriores datan los primeros cuartetos para
cuerda, las sinfonías K.183, 199 y 200 (1773), el concierto para fagot K.191
(1774), las óperas La finta giardiniera e Il re pastore (1775), diversos conciertos
para piano, la serie de concirtos para violín y las primeras sonatas para piano
(1774-75).

En 1777 Mozart marchó hacia Munich con su madre, Anna Maria. A la edad de
veintiún años Mozart buscaba por las corte europeas un lugar mejor remunerado
y más satisfactorio que el que tenía en Salzburgo bajo las órdenes del arzobispo
Colloredo, pero sus deseos no se cumplieron. Llegó a Mannheim, capital musical de
Europa por aquella época, con la idea de conseguir un puesto en su orquesta, y allí
se enamoró de Aloysia Weber. Posteriormente Leopold envió a su esposa e hijo a
París, donde éste estrenó la sinfonia K.297 y el ballet "Les petits riens". La
muerte de su madre en la capital francesa en 1778, el rechazo de Weber
-después del segundo encuentro de Mozart con la familia- y el menosprecio de los
aristócratas para los que trabajaba, hicieron que los dos años transcurridos entre
su llegada a París y el retorno a Salzburgo en 1779 fueran un periodo muy difícil
en su vida.
De esta época data su amistad con F.J. Haydn a quien le dedicó seis cuartetos
(1782-85); estrenó también la sinfonía Haffner (K.385, 1785) y otras obras, de
expresividad muy superior a la de la música de su tiempo. La llegada de Lorenzo
da Ponte a Viena le proporcionó un libretista de excepción para tres de sus
mejores óperas: Le nozze di Figaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte
(1790). Muerto ése año Gluck, el emperador José II concedió el cargo de
kapellmeister a Mozart, pero redujo el salario, hecho que impidió que saliese del
círculo vicioso de deudas. Estas crisis se reflejaron en obres como en el quinteto
de cuerda K.516, en las tres últimas sinfonías (K.543, 550 i 551, Júpiter, del
1788), los últimos conciertos para piano, etc., contribuciones ingentes a estos
géneros. Los años finales Mozart escribió sus últimas óperas, Die Zauberflöte (La
flauta mágica) y La Clemenza di Tito, (1791) -escrita con motivo de la coronación
del nuevo emperador Leopold II-. Precisamente mientras trabajaba en La flauta
mágica, con libreto de Emmanuel Schikaneder, el emisario de un misterioso conde
Walsegg le encargó una misa de réquiem. El Réquiem en Re menor K.626,
inacabado por la muerte de Mozart -el 5 de diciembre de 1791- fue su última
composición, acabada por su discípulo F.X. Süssmayr.

Vida y obras de Haydn
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En 1950 residió un tiempo en la modesta casa del cantante Johann Michael Spangles, junto
con la esposa y su hijo.
En 1753, creó un quinteto, para la capilla del conde Haugwitz.
En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg, en esa época compuso sus primeros
cuartetos para cuerda.
En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin.
En el año 1760 se caso con Maria Anna Keller, unión que fracasó, sin haber tenido hijos.
1761 fue un año muy bueno, ya que fue nombrado director musical del príncipe Pál Antal
Esteráis, y fue contratado por la princesa Esterházy como vice maestro de capilla. Por todo
ello se le asignaba un sueldo de cuatrocientos florines anuales y la posibilidad de acceder al
cargo de Oberter a la muerte de Wemer.
En 1762 fue nombrado maestro de capilla (Ober-Kapelmeistd), al morir joseph Werner, por
lo cual tubo que trabajar para tres príncipes de la familia Esterházy. El segundo de ellos, el
príncipe Miklós József Esterházy, fue un gran amante de la música. En Esterházy (en
Hungría), su lugar de veraneo, Miklós tenia una fundación musical importante, dirigida por
Haydn. Además de las sinfonías, óperas, operetas de títeres, misas, obras de cámara y
música de danza que el príncipe le encargaba, también hizo que ensayara y dirigiera sus
propias obras, así también como las de otros compositores. Debía enseñar a los cantantes,
mantener la colección de instrumentos y la librería musical, trabajar como organista, violista
y violinista cuando fuera necesario y resolver las disputas de los músicos que estaban a su
cargo. Aunque muchas veces se quejaba del peso de su trabajo y del aislamiento que sentía
en Esterházy, su posición era envidiable para los músicos del siglo XVIII. Un aspecto
importante de su contrato después de 1779 fue la libertad de vender su música a los
editores y de aceptar comisiones por ello.

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En 26 de Noviembre de 1760 se casa con Anna Aloysia Apollonia Keller (1729-1800), de 31
años de edad, en la catedral de San Esteban; aunque al principio parecio que iba bien, se
demopstro lo contrario porque resulto ser una completa ignorante respecto a el trabajo de
su marido, y fracaso totalmente. Entro un año después al servicio del príncipe Paul Anton
Esterházy como compositor exclusivo, consiguiendo en poco tiempo que el conjunto de
músicos del príncipe se convirtiera en la orquesta más reputada de Austria con 22
instrumentistas, también podía cantar con una orquesta relativamente numerosa, que
constaba de ocho violines, dos violoncelos, y un contrabajo. De instrumentos de viento había
una flauta, dos oboes, tres fagotes y cuatro tronpas, formación que permitía la ejecución de
casi todas las sinfonías y obras orquestales escritas en esta etapa. Si anteriormente
podíamos decir que Haydn no se había definido por un estilo particularmente determinado
salvo, tal vez, la tradición del concierto barroco que aún perpetúa, comienza ahora una época
conocida como Esterhaza. Son los años del Sturm und Drang (Tormenta y pasión), donde la
técnica compositiva de Haydn y sus formas de expresión se desarrollan de una forma
inaudita, otorgándole toda la maestría con la que ha llegado a nuestros días. Su música, a
pesar de estar en la raíz de la tradición austriaca, va más allá del sentimiento nacionalista, o
en todo caso para Haydn sólo existiría musicalmente una nación: la humanidad. De hecho, sus
anhelos estético-mmusicales pasan por la expresión de los sentimientos humanos. Para ello se
valió de su gran imaginación y técnica contrapustística, superando en las sinfonías la visión de
obra elegante o entretenida.
Ya en 1776 se encarga de la ópera de la corte de Esterhaza, y tres años después firma con
Artaria para la publicación de sus obras. Su fama trasciende las fronteras.
Antes de la década del 80, muchas de sus obras no eran conocidas fuera de Esteráis,
especialmente los 125 tríos compuestos para viola barítono, instrumento tocado por el
príncipe Mirlos. Luego de estos años, a partir de 1780 se empezó a expandir su fama, y fue
aumentando considerablemente. Donde residían, aunque era muy lujoso el castillo, estaba en
una región pantanosa y poco saludable, y los músicos, esceptuando Haydn no podían llevar
consigo a sus familiares, que debian permanecer en Viena o en Eisenstadt. Según la tradición,
este es el motivo del curioso final de la sinfonía número 45, conocida como
Abschiedsymphonie(sinfonía de los adioses o de la despedida), en la que despues del último
movimiento rápido de rigor se encadena un tiempo tanto en el que los instrumentos de la
orquesta, van dejando de tocar sucesivamente, finalizando la obra con un dúo de violines
(Haydn y Tomasini, probablemente).
En 1790, tras la muerte del príncipe Miklós, su hijo, el príncipe Antal, redujo las donaciones
para la fundación de Esteráis, y aunque Haydn mantuvo el puesto de maestro de capilla, no
viajo mas fuera de Viena. Luego abandona su cargo y se va de viaje a recorrer las capitales
mas importantes de europa, estableciendose en Viena.

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En los años 1791 y 1792 contratado por el empresario británico Johann Meter Salomón, viajo
a Londres, para asistir a su primer concierto. Viaja a Inglaterra para presentar su música.
Será Londres la ciudad inglesa que le inspire el ciclo de sus Sinfonías londinenses, quedando
además sellada la admiración del público inglés por la obra de Haydn con el nombramiento de
Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford. Al mismo tiempo que era
frecuentemente invitado por la aristocracia londinense, durante el intermedio entre las
temporadas de conciertos de 1791 y 1792 se dedicó a un tipo de música por entonces de
moda: el arreglo para voz y piano - con o sin acompañamiento de violín y violonchelo- de
canciones populares inglesas y escocesas.
En 1792, una empresa rival de la de Salomon, los Professional Concerts, contrató a Ignaz
Joseph Pleyel para competir con Haydn en el campo de la interpretación solística. Una
sangrienta guerra musical se inició entre maestro y discípulo. Pero Haydn, que no era ningún
virtuoso del piano, evitó el encuentro, como parece que hizo por respeto el mismo Pleyel, y el
incidente no tuvo mayor importancia. Poco tiempo después esta sociedad hubo de cerrar sus
puertas, dejando mayor campo de acción a Salomon.
Tras un amorío con una de sus alumnas, Rebecca Schoeter, en Julio de 1792 regresa a Viena,
donde lo espera impaciente el joven Ludwig van Beethoven, que comienza a recibir clases del
maestro a partir de noviembre de ese año, con quien no logro una buena relación. Haydn le
recomendó que esperara a tener una fama consolidada para publicar obras tan avanzadas
como las que le había presentado, y éste prefirió aprender la técnica y el oficio musicales de
compositores menos perturbadores como el contrapuntista Johann Georg Albrechtsberger y
Johann Schenk. Durante su ausencia había muerto Mozart (que era amigo suyo), quien al
parecer había presentido al despedirse anteriormente de Mozart que no lo vería jamás. Por
las mismas fechas, Haydn compró una nueva casa en el Gumpendorf, un barrio de las afueras
de Viena.
En 1794 y 1795 asistió a su segundo concierto también contratado por el empresario, estos
dos conciertos fueron la excusa perfecta para promover y expandir el éxito de sus ultimas
sinfonías, llamadas Salomón, o Sinfonía de Londres, las cuales incluyen algunas de sus obras
más famosas: Sorpresa (nº 94), Militar (nº 100), El reloj (nº 101), El redoble de tambor (nº
103) y Londres (nº 104).

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La mayoría de sus 19 óperas y operetas de títeres las compuso según el gusto y las
direcciones del principe. Haydn admitió la superioridad de las óperas de su joven amigo
Wolfgang Amadeus Mozart. No obstante, en otros géneros, sus obras tuvieron buena acogida
y su influencia fue importante. Las 107 sinfonías que compuso y los 83 cuartetos para
cuerda, que revolucionaron la música, son pruebas de su original talento y iideas para nuevos
materiales temáticos y formas musicales, así como de su maestría en la instrumentación. Sus
62 sonatas y 43 tríos para piano tienen diversos fines, desde aquellos compuestos para
aficionados hasta los destinados a virtuosos del teclado, estos últimos pertenecientes a sus
obras de madurez.
La influencia que ejerció en el desarrollo de la sonata fue muy importante. Esta era la forma
predominante del clasicismo, que utilizaron los compositores hasta el siglo XX para crear
estructuras musicales cada vez más extensas. Haydn la utilizó de dos maneras diferentes: en
primer lugar, desarrolló lo que hasta entonces había sido una simple exposición de temas en
distintas tonalidades y creó una interacción entre distintos grupos temáticos, cuyas
diferentes tonalidades definían la extensa estructura de los movimientos; en segundo lugar,
economizó el material temático de forma que sólo las tonalidades diferenciaban las distintas
partes. Esta tendencia hacia la austeridad temática se puede apreciar en las últimas
sinfonías de Jean Sibelius, ciento veinte años más tarde.
La productividad de Haydn se vio reforzada por su originalidad y ocurrencia. La forma
innovadora en que transformaba una simple melodía o motivo en complejos desarrollos
fascinó a sus contemporáneos. Son característicos de su estilo los cambios repentinos de
momentos dramáticos a efectos humorísticos así como su inclinación por las melodías de tipo
folclórico. Un escritor de su época describió su música como "arte popular", y, de hecho, su
equilibrio entre la música directa y los experimentos innovadores transformó la expresión
instrumental del siglo XVIII.
Durante sus últimos años en Viena, Haydn comenzó a componer misas y grandes oratorios
como La creación (1798) y Las estaciones (1801). También de este periodo es El himno del
emperador (1797), que más tarde se convirtió en el himno nacional de Austria

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Haydn estuvo casi tres años (de 1795 a 1798) trabajando en la composición de su primer
Oratorio, y se dice que antes de ponerse ante el papel se arrodillaba pidiendo a Dios que le
ayudara y le diera fuerzas para la tarea. Afortunadamente pudo dedicarse casi de modo
exclusivo a la obra. Aun así, parece que no compuso ninguna en los años 1795 y 1797.
Finalmente pudo ser estrenado este Oratorio en el palacio Schwarzenberg, el día 29 de abril
de 1798. La obra fue ofrecida al público vienés en el mes de marzo del año siguiente, en el
“Burgtheater” de esta ciudad, consiguiendo un éxito clamoroso. En estas ejecuciones dirigió
el propio Haydn empuñando la batuta. Varios años después, en 1808, se interpretó La
Creación bajo la dirección de Salieri en el Aula Magna de la Universidad de Viena, con
asistencia de las más importantes personalidades de la vida social y cultural de Viena. La
princesa Esterházy le obsequió con un cuadro que representaba el acontecimiento, en el cual
se puede ver a Beethoven y los principales compositores del momento homenajeando al
veterano Haydn. Cuando llegó el pasaje en el que se describe la creación de la luz, el público
aclamó al compositor, quien exclamó: “¡No fui yo, sino un poder procedente de las alturas,
quien escribió esto!”.
La última obra compuesta por el genio de Haydn fue Armonia-Misa, en 1802

Vida y obra de Beethoven
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El compositor y músico pianista clásico Ludwin van Beethoven nació el 17 de
diciembre de 1770 en la ciudad de Bonn, Alemania. Su padre, Johann Beethoven, y
su madre, Magdalena Keverich, eran de origen humilde pero brindaron al pequeño
todos los cuidados que estaban dentro de sus posibilidades. Sin embargo, su
propio padre deseaba que el niño se convirtiera en un niño prodigio y comenzó a
forzarlo en sus estudios de piano y a castigarlo cuando no estudiaba todo el
tiempo que su padre consideraba necesario.
Además de tomar lecciones de su propio padre, el pequeño Beethoven recibió
lecciones de diversos maestros entre los que destacan Van der Eeden y Neefe.
Este último, quien era un notable organista, lo puso en contacto con obras de
Bach y Handel. En el año 1786 conoció a Wolfgang Amadeus Mozart en ocasión de
visitar la ciudad de Viena. De Mozart recibió unas pocas lecciones.
En 1792 recibe lecciones de Salieri, especialmente en referencia a composición
vocal, y de Haydn, entre algunos otros. Para esa época, el joven músico ya
comenzaba a sentir los síntomas de la enfermedad que lo acompañaría el resto de
su vida y que puede llegar a ser la peor tragedia para un compositor y pianista: la
sordera. Su sentido del oído comenzaba a deteriorarse paulatinamente y sin
pausa.

Entre 1785 y 1800 compone alrededor de 100 obras que incluyen 3 conciertos
para piano, algunas sonatas para piano de Beethoven incluyendo la famosa sonata
Patética, la sonata Appasionnata ,la Waldstein (o la también famosa sonata Claro
de Luna similar a la Pastoral de la misma época que la sonata Opus 101), seis
cuartetos y algunos tríos. A partir del año 1801 comienza un período muy prolífico
de composiciones. El mismo se desarrolla hasta el año 1815 e incluye casi 145
obras. Por ejemplo, en 1807 compone su famosa quinta sinfonía la cual es
reconocida mundialmente con solo sonar los primeros compases.
Luego de 1816 compone mas de un centenar de obras y es un período en el cual su
sordera se agudiza notablemente casi hasta el punto de no escuchar nada. De
esta época es su famosa novena sinfonía. El 26 de marzo de 1827 fallece en la
ciudad de Viena, Austria.

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